Filme mudo

Cena dos Quatro Cavaleiros do Apocalipse de 1921 , um dos filmes mudos de maior bilheteria.

Charlie Chaplin, o mais icônico ator de cinema mudo, c. 1919

Um filme mudo é um filme sem som gravado sincronizado (e, em particular, sem diálogo audível ). Em filmes mudos para entretenimento, o enredo pode ser transmitido pelo uso de cartões de título , indicações escritas do enredo e linhas-chave do diálogo. A ideia de combinar filmes com som gravado é quase tão antiga quanto o próprio filme, mas devido aos desafios técnicos envolvidos, a introdução do diálogo sincronizado tornou-se prática apenas no final dos anos 1920 com o aperfeiçoamento do tubo amplificador Audion e o advento do Sistema Vitaphone . ^[1]

O termo "filme mudo" é um nome impróprio, pois esses filmes eram quase sempre acompanhados por sons ao vivo. Durante a era muda que existiu de meados da década de 1890 até o final da década de 1920, um pianista , organista de teatro - ou mesmo, nas grandes cidades, uma pequena orquestra - costumava tocar música para acompanhar os filmes. Pianistas e organistas tocavam partituras ou improvisação. Às vezes, uma pessoa até mesmo narrava os cartões com as legendas para o público. Embora na época a tecnologia para sincronizar o som com o filme não existisse, a música era vista como uma parte essencial da experiência de visualização. O termo também é freqüentemente usado para descrever filmes da era do som que têm uma trilha sonora gravada apenas com música sem diálogos, como City Lights e The Artist .

O termo filme mudo é um retrônimo - um termo criado para distinguir retroativamente algo. Os primeiros filmes sonoros, começando com The Jazz Singer em 1927, eram chamados de " talkies ", "filmes sonoros" ou "imagens faladas". Em uma década, a produção generalizada de filmes mudos para entretenimento popular cessou e a indústria entrou totalmente na era do som , na qual os filmes eram acompanhados por gravações sonoras sincronizadas de diálogos falados, música e efeitos sonoros .

A maioria dos primeiros filmes é considerada perdida porque o filme de nitrato usado naquela época era extremamente instável e inflamável. Além disso, muitos filmes foram destruídos deliberadamente porque tinham um valor financeiro contínuo insignificante nesta época. Muitas vezes se afirma que cerca de 75 por cento dos filmes mudos produzidos nos Estados Unidos foram perdidos, embora essas estimativas possam ser imprecisas devido à falta de dados numéricos. ^[2]

Elementos e inícios (1833-1936) [ editar ]

Os primeiros precursores do filme começaram com a projeção de imagens através do uso de um dispositivo conhecido como lanterna mágica , que utilizava uma lente de vidro , um obturador e uma fonte de luz persistente (como uma lanterna potente ) para projetar imagens de slides de vidro em um parede. Esses slides foram originalmente pintados à mão, mas, após o advento da fotografia no século 19, as imagens estáticas às vezes eram usadas. Assim, a invenção de um aparato prático de fotografia precedeu o cinema em apenas cinquenta anos. ^[3]

O próximo passo significativo em direção à invenção do cinema foi o desenvolvimento de uma compreensão do movimento da imagem. Simulações de movimento datam de 1828 - apenas quatro anos depois que Paul Roget descobriu o fenômeno que ele chamou de " Persistência da Visão ". Roget mostrou que quando uma série de imagens estáticas é mostrada em uma velocidade considerável na frente do olho do observador, as imagens se fundem em uma imagem registrada que parece mostrar movimento. Isso é uma ilusão de ótica , já que a imagem não está realmente se movendo. Essa experiência foi posteriormente demonstrada através da introdução de Roget do taumatrópio , um dispositivo que girava em uma velocidade bastante alta um disco com uma imagem em sua superfície. ^[3]

A invenção do filme permitiu verdadeiros filmes em vez de ilusões de ótica. O filme, que consistia em celulóide flexível e transparente, podia registrar imagens em frações de segundo. Desenvolvido por Étienne-Jules Marey , ele foi um dos primeiros a experimentar o cinema. Em 1882, Marey desenvolveu uma câmera que podia tirar 12 fotografias por segundo (sobrepostas em uma imagem) de animais ou humanos em movimento.

Os três recursos necessários para o funcionamento do filme eram "uma câmera com velocidade de obturação suficientemente alta, uma tira de filme capaz de fazer múltiplas exposições rapidamente e meios de projetar as imagens reveladas em uma tela". ^[4] O primeiro protofilme projetado foi feito por Eadweard Muybridge entre 1877 e 1880. Muybridge montou uma fileira de câmeras ao longo de uma pista de corrida e exposições de imagens cronometradas para capturar os vários estágios do galope de um cavalo. O mais antigo filme sobrevivente (do gênero chamado "realismo pictórico") foi criado por Louis Le Prince em 1888. Era um filme de dois segundos de pessoas caminhando no jardim "Oakwood street", intitulado Roundhay Garden Scene . ^[5]O desenvolvimento do Kinetograph do inventor norte-americano Thomas Edison , dispositivo fotográfico que captura imagens sequenciais, e do Cinetoscópio , dispositivo de visualização dessas imagens, permitiu a criação e exibição de curtas-metragens. Edison também fez um negócio de venda de equipamentos Kinetograph e Kinetoscope, que lançou as bases para a produção de filmes em larga escala. ^[3]

Devido à falta de Edison em garantir uma patente internacional para suas invenções de filmes, dispositivos semelhantes foram "inventados" em todo o mundo. Na França, por exemplo, Auguste e Louis Lumière criaram o Cinématographe , que provou ser um dispositivo mais portátil e prático do que os dois de Edison, pois combinava câmera, processador de filme e projetor em uma unidade. ^[3] Em contraste com o cinetoscópio em estilo " peepshow " de Edison , que apenas uma pessoa podia assistir através de um visor, o cinematógrafo permitia a visualização simultânea por várias pessoas. Seu primeiro filme, Sortie de l'usine Lumière de Lyon , rodado em 1894, é considerado o primeiro verdadeiro filme.^[6] A invenção deo filme de celulóide , que era forte e flexível, facilitou muito a produção de filmes (embora o celulóide fosse altamente inflamável e se deteriorasse rapidamente). ^[4] Este filme tinha 35 mm de largura e foi puxado usando quatro furos de roda dentada, que se tornou o padrão da indústria (veja o filme de 35 mm ). Isso condenou o cinematógrafo, que só funcionava com filme com uma única roda dentada. ^[7]

Era do cinema mudo [ editar ]

Tocar mídia

PLAY : Um filme de um minuto de 1904 da Edison Studios reencenando a Batalha da Baía de Chemulpo , que ocorreu em 9 de fevereiro daquele ano na costa da atual Incheon , Coréia .

O trabalho de Muybridge, Marey e Le Prince lançou as bases para o desenvolvimento futuro de câmeras cinematográficas, projetores e filme de celulóide transparente, que levou ao desenvolvimento do cinema como o conhecemos hoje. O inventor americano George Eastman , que primeiro fabricou placas fotográficas secas em 1878, fez progresso com um tipo estável de filme de celulóide em 1888.

A arte do cinema atingiu a maturidade total na "era muda" ( 1894 no cinema - 1929 no cinema ). O auge da era muda (do início da década de 1910 no cinema ao final da década de 1920) foi um período particularmente fecundo, cheio de inovações artísticas. Os movimentos cinematográficos da Hollywood Clássica , bem como do Impressionismo Francês , do Expressionismo Alemão e da Montagem Soviética começaram neste período. Os cineastas silenciosos foram os pioneiros da arte na medida em que virtualmente todos os estilos e gêneros de produção cinematográfica dos séculos 20 e 21 têm suas raízes artísticas na era muda. A era muda também foi pioneira do ponto de vista técnico. Iluminação de três pontos, oclose-up , plano geral , panorâmica e edição de continuidade tornaram-se predominantes muito antes de os filmes mudos serem substituídos por "filmes falados " ou "filmes falados" no final dos anos 1920. Alguns estudiosos afirmam que a qualidade artística do cinema diminuiu por vários anos, durante o início dos anos 1930, até que diretores de cinema , atores e equipe de produção se adaptaram totalmente aos novos "talkies" em meados dos anos 1930. ^[8]

A qualidade visual dos filmes mudos - especialmente aqueles produzidos na década de 1920 - costumava ser alta, mas permanece um equívoco amplamente difundido de que esses filmes eram primitivos ou quase não podiam ser assistidos pelos padrões modernos. ^[9] Esse equívoco vem da falta de familiaridade do público em geral com o meio, bem como do descuido por parte da indústria. A maioria dos filmes mudos é mal preservada, levando à sua deterioração, e filmes bem preservados são freqüentemente reproduzidos na velocidade errada ou sofrem cortes de censura e quadros e cenas ausentes, dando a aparência de edição ruim. ^{[10] [11]} Muitos filmes mudos existem apenas em cópias de segunda ou terceira geração, muitas vezes feitos de estoque de filme já danificado e negligenciado. ^[8]Outro equívoco amplamente difundido é que os filmes mudos não têm cor. Na verdade, a cor predominou muito mais nos filmes mudos do que nas primeiras décadas dos filmes sonoros. No início da década de 1920, 80 por cento dos filmes podiam ser vistos em algum tipo de cor, geralmente na forma de tingimento ou tonalidade do filme ou mesmo coloração à mão, mas também com processos de duas cores bastante naturais, como Kinemacolor e Technicolor . ^[12] Os processos tradicionais de colorização cessaram com a adoção do som no filmetecnologia. A colorização tradicional do filme, que envolvia o uso de corantes de alguma forma, interferia na alta resolução necessária para o som gravado embutido e, portanto, foi abandonada. O processo inovador de três tiras technicolor introduzido em meados dos anos 30 era caro e repleto de limitações, e a cor não teria a mesma prevalência no filme como teve nos silêncios por quase quatro décadas.

Intertítulos [ editar ]

À medida que o tempo de exibição dos filmes aumentava gradualmente, era necessário substituir o intérprete interno que explicaria partes do filme ao público. Como os filmes mudos não tinham som sincronizado para o diálogo, as legendas na tela foram usadas para narrar pontos da história, apresentar diálogos importantes e, às vezes, até comentar sobre a ação para o público. O escritor do título tornou-se um profissional-chave no cinema mudo e muitas vezes foi separado do escritor do cenário que criou a história. As intertítulos (ou títulos como eram geralmente chamados na época) "muitas vezes eram elementos gráficos, apresentando ilustrações ou decorações abstratas que comentavam a ação". ^{[13] [14] [citação necessária ]}

Música ao vivo e outra acompanhamento sonoro [ editar ]

As exibições de filmes mudos quase sempre traziam música ao vivo, a começar pelo violonista, na primeira projeção pública de filmes dos irmãos Lumière, em 28 de dezembro de 1895, em Paris. Isso foi promovido em 1896 com a primeira exibição de cinema nos Estados Unidos no Koster and Bial's Music Hall na cidade de Nova York. Neste evento, Edison estabeleceu o precedente de que todas as exposições deveriam ser acompanhadas por uma orquestra. ^[15] Desde o início, a música foi reconhecida como essencial, contribuindo com uma atmosfera e dando ao público pistas emocionais vitais. (Os músicos às vezes tocavam em sets de filmagem durante as filmagens por motivos semelhantes.) No entanto, dependendo do tamanho do local de exibição, o acompanhamento musical pode mudar drasticamente em escala. ^[3]Os cinemas de cidades pequenas e bairros geralmente tinham um pianista . A partir de meados da década de 1910, os grandes teatros das cidades costumavam ter organistas ou conjuntos de músicos. Órgãos de teatro maciços , que foram projetados para preencher a lacuna entre um solista de piano simples e uma orquestra maior, tinham uma ampla gama de efeitos especiais. Órgãos teatrais, como o famoso " Mighty Wurlitzer ", podem simular alguns sons orquestrais junto com uma série de efeitos de percussão, como bateria e pratos, e efeitos sonoros que variam de "apitos de trem e barco [a] buzinas de carros e apitos de pássaros; .. . alguns podem até simular tiros de pistola, telefones tocando, o som de ondas, cascos de cavalos, cerâmica quebrando, [e] trovões e chuva ".^[16]

As partituras musicais dos primeiros filmes mudos eram improvisadas ou compiladas de um repertório clássico ou teatral. Uma vez que todas as características tornaram-se comuns, no entanto, a música foi compilada a partir da música photoplay pelo pianista, organista, maestro de orquestra ou pelo próprio estúdio de cinema , que incluía uma folha de sinalização com o filme. Essas folhas costumavam ser longas, com notas detalhadas sobre efeitos e humores a serem observados. Começando com a trilha sonora predominantemente original composta por Joseph Carl Breil para o épico inovador de D. W. Griffith , mas racialmente devastador, The Birth of a Nation(1915), tornou-se relativamente comum que os filmes de maior orçamento chegassem ao cinema em exibição com partituras originais especialmente compostas. ^[17] No entanto, as primeiras partituras completas designadas na verdade foram compostas em 1908, por Camille Saint-Saëns para O Assassinato do Duque de Guise , ^[18] e por Mikhail Ippolitov-Ivanov para Stenka Razin .

Quando organistas ou pianistas usaram partituras, eles ainda podem adicionar floreios de improvisação para aumentar o drama na tela. Mesmo quando os efeitos especiais não eram indicados na partitura, se um organista estivesse tocando um órgão de teatro capaz de um efeito sonoro incomum, como "cavalos a galope", ele seria usado durante cenas de dramáticas perseguições a cavalo.

No auge da era muda, os filmes eram a maior fonte de emprego para músicos instrumentais, pelo menos nos Estados Unidos. No entanto, a introdução de talkies, juntamente com o início quase simultâneo da Grande Depressão , foi devastador para muitos músicos.

Vários países desenvolveram outras maneiras de trazer som aos filmes mudos. O primeiro cinema do Brasil , por exemplo, apresentava fitas cantatas , operetas filmadas com cantores atuando atrás da tela. ^[19] No Japão , os filmes não tinham apenas música ao vivo, mas também o benshi , um narrador ao vivo que fornecia comentários e vozes de personagens. O benshi se tornou um elemento central no cinema japonês, além de fornecer tradução para filmes estrangeiros (principalmente americanos). ^[20] A popularidade do benshi foi uma das razões pelas quais os filmes mudos persistiram até a década de 1930 no Japão.

Pontuação restaurações de 1980 até o presente [ editar ]

Poucas trilhas sonoras de filmes sobrevivem intactas do período mudo, e os musicólogos ainda são confrontados com perguntas quando tentam reconstruir precisamente as que permanecem. Partituras usadas em reedições atuais ou exibições de filmes mudos podem ser reconstruções completas de composições, compostas recentemente para a ocasião, reunidas a partir de bibliotecas de música já existentes ou improvisadas no local à maneira do músico de teatro da era muda.

O interesse pela trilha sonora de filmes mudos caiu um pouco fora de moda durante as décadas de 1960 e 1970. Havia uma crença em muitos programas de filmes universitários e cinemas de repertório de que o público deveria vivenciar o cinema mudo como um meio visual puro, sem se distrair com a música. Essa crença pode ter sido encorajada pela má qualidade das faixas musicais encontradas em muitas reimpressões de filmes mudos da época. Desde cerca de 1980, tem havido um renascimento do interesse em apresentar filmes mudos com partituras musicais de qualidade (seja retrabalho de partituras de período ou folhas de sinalização, ou a composição de partituras originais adequadas). Um esforço inicial deste tipo foi Kevin Brownlow '1980 restauração de s Abel Gance de Napoléon (1927), com uma pontuação por Carl Davis. Uma versão ligeiramente reeditada e acelerada da restauração de Brownlow foi posteriormente distribuída nos Estados Unidos por Francis Ford Coppola , com uma partitura orquestral ao vivo composta por seu pai, Carmine Coppola .

Em 1984, uma restauração editada de Metrópolis (1927) foi lançada com uma nova trilha sonora de rock do produtor e compositor Giorgio Moroder . Embora a trilha sonora contemporânea, que incluía canções pop de Freddie Mercury , Pat Benatar e Jon Anderson do Yes , fosse polêmica, a porta foi aberta para uma nova abordagem para a apresentação de clássicos filmes mudos.

Hoje, um grande número de solistas, conjuntos musicais e orquestras executam partituras tradicionais e contemporâneas para filmes mudos internacionalmente. ^[21] O lendário organista de teatro Gaylord Carter continuou a atuar e gravar suas trilhas sonoras originais de filmes mudos até pouco antes de sua morte em 2000; algumas dessas partituras estão disponíveis em reedições em DVD. Outros fornecedores da abordagem tradicional incluem organistas como Dennis James e pianistas como Neil Brand , Günter Buchwald, Philip C. Carli, Ben Model e William P. Perry . Outros pianistas contemporâneos, como Stephen Horne e Gabriel Thibaudeau, muitas vezes adotaram uma abordagem mais moderna para a pontuação.

Maestros de orquestra como Carl Davis e Robert Israel escreveram e compilaram partituras para vários filmes mudos; muitos deles apareceram em exibições no Turner Classic Movies ou foram lançados em DVD. Davis compôs novas trilhas para dramas silenciosos clássicos, como The Big Parade (1925) e Flesh and the Devil (1927). Israel trabalhou principalmente na comédia muda, marcando os filmes de Harold Lloyd , Buster Keaton , Charley Chase e outros. Timothy Brock restaurou muitas das partituras de Charlie Chaplin , além de compor novas partituras.

Os conjuntos de música contemporânea estão ajudando a apresentar os filmes mudos clássicos a um público mais amplo por meio de uma ampla gama de estilos e abordagens musicais. Alguns artistas criam novas composições usando instrumentos musicais tradicionais, enquanto outros adicionam sons eletrônicos, harmonias modernas, ritmos, improvisação e elementos de design de som para aprimorar a experiência de visualização. Entre os conjuntos contemporâneos desta categoria estão Un Drame Musical Instantané , Alloy Orchestra , Club Foot Orchestra , Silent Orchestra , Mont Alto Motion Picture Orchestra, Minima e o Caspervek Trio, RPM Orchestra. Donald Sosin e sua esposa Joanna Seaton se especializam em adicionar vocais a filmes mudos, particularmente quando há canto na tela que se beneficia de ouvir a música real sendo executada. Filmes nesta categoria incluem Griffith Senhora dos pavimentos com Lupe Vélez , Edwin Carewe de Evangeline com Dolores del Río , e Rupert Julian 's The Phantom of the Opera com Mary Philbin e Virginia Pearson . ^{[ citação necessária ]}

O Arquivo de Música e Som de Filme Silencioso digitaliza músicas e folhas de sinalização escritas para filmes mudos e os disponibiliza para uso por artistas, acadêmicos e entusiastas. ^[22]

Técnicas de atuação [ editar ]

Os atores de filmes mudos enfatizaram a linguagem corporal e a expressão facial para que o público pudesse entender melhor o que o ator estava sentindo e retratando na tela. Grande parte da atuação no cinema mudo tende a atingir o público moderno como simplista ou exagerado . O estilo de atuação melodramático foi, em alguns casos, um hábito dos atores transferidos de sua experiência anterior no palco. Vaudeville foi uma origem especialmente popular para muitos atores de filmes mudos americanos. ^[3] A presença penetrante de atores de palco no filme foi a causa desta explosão do diretor Marshall Neilanem 1917: "Quanto antes saiam do palco as pessoas que vieram para o cinema, melhor para os filmes." Em outros casos, diretores como John Griffith Wray exigiram que seus atores apresentassem expressões grandiosas para dar ênfase. Já em 1914, os telespectadores americanos começaram a dar a conhecer sua preferência por uma maior naturalidade na tela. ^[23]

Os filmes mudos tornaram-se menos vaudevillianos em meados da década de 1910, à medida que as diferenças entre palco e tela se tornaram aparentes. Devido ao trabalho de diretores como DW Griffith , a cinematografia tornou-se menos teatral e o desenvolvimento do close up permitiu uma atuação sutil e realista. Lillian Gish foi considerada a "primeira verdadeira atriz" do cinema por seu trabalho no período, pois foi pioneira em novas técnicas de atuação cinematográfica, reconhecendo as diferenças cruciais entre atuação no palco e na tela. Diretores como Albert Capellani e Maurice Tourneurcomeçaram a insistir no naturalismo em seus filmes. Em meados da década de 1920, muitos filmes mudos americanos haviam adotado um estilo de atuação mais naturalista, embora nem todos os atores e diretores aceitassem uma atuação naturalista e discreta imediatamente; ainda em 1927, filmes com estilos de atuação expressionistas, como Metrópolis , ainda estavam sendo lançados. ^[23] Greta Garbo , que fez sua estreia em 1926, ficaria conhecida por sua atuação naturalista.

De acordo com Anton Kaes, um estudioso do cinema mudo da Universidade da Califórnia, Berkeley, o cinema mudo americano começou a ver uma mudança nas técnicas de atuação entre 1913 e 1921, influenciado por técnicas encontradas no cinema mudo alemão. Isso é atribuído principalmente ao afluxo de emigrantes da República de Weimar , "incluindo diretores de cinema, produtores, cinegrafistas, técnicos de iluminação e de palco, bem como atores e atrizes". ^[24]

Velocidade de projeção [ editar ]

Até a padronização da velocidade de projeção de 24 quadros por segundo (fps) para filmes sonoros entre 1926 e 1930, os filmes mudos eram rodados em velocidades variáveis ​​(ou " taxas de quadros ") em qualquer lugar de 12 a 40 fps, dependendo do ano e do estúdio . ^{[25] A} "velocidade padrão do filme mudo" costuma ser considerada 16 fps como resultado do Cinématographe dos irmãos Lumière , mas a prática da indústria variava consideravelmente; não havia um padrão real. William Kennedy Laurie Dickson, um funcionário da Edison, decidiu-se pelos surpreendentemente rápidos 40 quadros por segundo. ^[3]Além disso, os cinegrafistas da época insistiam que sua técnica de manivela era exatamente 16 fps, mas o exame moderno dos filmes mostra que isso era um erro, que muitas vezes eles giravam mais rápido. A menos que sejam cuidadosamente mostrados em suas velocidades pretendidas, os filmes mudos podem parecer estranhamente rápidos ou lentos. No entanto, algumas cenas foram intencionalmente reduzidas durante as filmagens para acelerar a ação - especialmente para comédias e filmes de ação. ^[25]

A projeção lenta de um filme à base de nitrato de celulose trazia risco de incêndio, pois cada quadro ficava mais tempo exposto ao calor intenso da lâmpada de projeção; mas havia outras razões para projetar um filme em um ritmo maior. Freqüentemente, os projecionistas recebiam instruções gerais dos distribuidores na folha de sinalização do diretor musical sobre a rapidez com que bobinas ou cenas específicas deveriam ser projetadas. ^[25] Em casos raros, geralmente para produções maiores, folhas de sinalização produzidas especificamente para o projecionista forneceram um guia detalhado para a apresentação do filme. Os cinemas também - para maximizar o lucro - às vezes variavam as velocidades de projeção dependendo da hora do dia ou da popularidade de um filme, ^[26] ou para encaixar um filme em um determinado intervalo de tempo. ^[25]

Todos os projetores de filmes cinematográficos requerem um obturador móvel para bloquear a luz enquanto o filme está se movendo, caso contrário, a imagem será borrada na direção do movimento. No entanto, este obturador causa tremulação da imagem e imagens com taxas baixas de tremulação são muito desagradáveis ​​de assistir. Os primeiros estudos de Thomas Edison para sua máquina de cinetoscópio determinaram que qualquer taxa abaixo de 46 imagens por segundo "forçará o olho". ^[25]e isso também vale para imagens projetadas em condições normais de cinema. A solução adotada para o cinetoscópio foi rodar o filme a mais de 40 frames / seg, mas isso era caro para o filme. No entanto, ao usar projetores com obturadores de lâmina dupla e tripla, a taxa de oscilação é multiplicada duas ou três vezes mais do que o número de quadros do filme - cada quadro sendo exibido duas ou três vezes na tela. Um obturador de três lâminas projetando um filme de 16 fps ultrapassará ligeiramente a figura de Edison, dando ao público 48 imagens por segundo. Durante a era silenciosa, os projetores geralmente eram equipados com persianas de 3 lâminas. Desde a introdução do som com suas persianas de 2 lâminas de velocidade padrão de 24 quadros / s se tornaram a norma para projetores de cinema de 35 mm, embora as persianas de três lâminas tenham permanecido padrão em projetores de 16 mm e 8 mm,que são freqüentemente usados ​​para projetar filmagens amadoras filmadas a 16 ou 18 quadros / seg. Uma taxa de quadros de filme de 35 mm de 24 fps se traduz em uma velocidade de filme de 456 milímetros (18,0 pol.) Por segundo.^[27] Um carretel de 1.000 pés (300 m) requer 11 minutos e 7 segundos para ser projetado a 24 fps, enquanto uma projeção de 16 fps do mesmo carretel levaria 16 minutos e 40 segundos, ou 304 milímetros (12,0 pol.) Por segundo. ^[25]

Na década de 1950, muitas conversões telecine de filmes mudos em taxas de quadros grosseiramente incorretas para a TV aberta podem ter alienado os espectadores. ^{[28] A} velocidade do filme é frequentemente uma questão polêmica entre estudiosos e cinéfilos na apresentação de silêncios hoje, especialmente quando se trata de lançamentos em DVD de filmes restaurados , como o caso da restauração de Metrópolis em 2002 . ^[29]

Tingimento [ editar ]

Com a falta de processamento de cores naturais disponíveis, os filmes da era muda eram frequentemente mergulhados em corantes e tingidos em vários tons e matizes para indicar um estado de espírito ou representar uma hora do dia. A coloração à mão remonta a 1895 nos Estados Unidos, com o lançamento de Edison de gravuras coloridas à mão de Butterfly Dance . Além disso, os experimentos com filme colorido começaram já em 1909, embora tenha demorado muito mais para que a cor fosse adotada pela indústria e um processo eficaz fosse desenvolvido. ^[3] Azul representava cenas noturnas, amarelo ou âmbar significava dia. O vermelho representou o fogo e o verde representou uma atmosfera misteriosa. Da mesma forma, a tonalidade do filme (como a generalização comum do filme mudo sépia- tonalidade) com soluções especiais substituiu as partículas de prata no estoque do filme por sais ou corantes de várias cores. Uma combinação de tonalidade e tonalidade pode ser usada como um efeito que pode ser surpreendente.

Alguns filmes foram pintados à mão, como Annabelle Serpentine Dance (1894), da Edison Studios. Nele, Annabelle Whitford , ^[30] uma jovem dançarina da Broadway, está vestida com véus brancos que parecem mudar de cor conforme ela dança. Essa técnica foi projetada para capturar o efeito das performances ao vivo de Loie Fuller, iniciadas em 1891, nas quais luzes de palco com géis coloridos transformaram seus vestidos e mangas esvoaçantes em movimento artístico. ^{[31] A} coloração à mão era freqüentemente usada nos primeiros "truques" e filmes de fantasia da Europa, especialmente aqueles de Georges Méliès . Méliès começou a pintar à mão seu trabalho já em 1897 e no Cendrillion de 1899 (Cinderela) e em 1900 Jeanne d'Arc(Joana d'Arc) fornece os primeiros exemplos de filmes coloridos à mão nos quais a cor era uma parte crítica da cenografia ou mise en scène ; esse tingimento preciso usou o workshop de Elisabeth Thuillier em Paris, com equipes de artistas femininas adicionando camadas de cor a cada quadro à mão, em vez de usar um processo mais comum (e menos caro) de estêncil. ^[32] Uma versão recém-restaurada de A Trip to the Moon de Méliès , originalmente lançada em 1902, mostra um uso exuberante de cores destinadas a adicionar textura e interesse à imagem. ^[33]

Comentários de um distribuidor americano em um catálogo de filmes de 1908 ressaltam ainda mais o domínio contínuo da França no campo de filmes para colorir à mão durante o início da era muda. O distribuidor oferece para venda a preços variados filmes de "alta classe" da Pathé , Urban-Eclipse , Gaumont , Kalem , Itala Film , Ambrosio Film e Selig . Vários dos filmes mais longos e de maior prestígio no catálogo são oferecidos tanto em preto e branco "estoque comum" padrão quanto em cores "pintadas à mão". ^[34] Uma cópia normal, por exemplo, do lançamento de Ben Hur de 1907é oferecido por $ 120 ($ 3.415 USD hoje), enquanto uma versão colorida do mesmo filme de 1000 pés e 15 minutos custa $ 270 ($ 7.683) incluindo o custo extra de coloração de $ 150, que totalizou 15 centavos a mais por pé. ^[34] Embora as razões para a taxa extra citada fossem provavelmente óbvias para os clientes, o distribuidor explica por que os filmes coloridos de seu catálogo têm preços significativamente mais altos e exigem mais tempo para entrega. Sua explicação também fornece uma visão geral do estado geral dos serviços de coloração de filmes nos Estados Unidos em 1908:

A coloração de filmes cinematográficos é uma linha de trabalho que não pode ser realizada de forma satisfatória nos Estados Unidos. Em vista da enorme quantidade de trabalho envolvida, que exige pintura individual à mão de cada um dos dezesseis quadros por pé ou 16.000 quadros separados para cada 1.000 pés de filme, muito poucos coloristas americanos farão o trabalho a qualquer preço.
Como a coloração de filme progrediu muito mais rapidamente na França do que em qualquer outro país, toda a nossa coloração é feita para nós pelo melhor estabelecimento de coloração de Paris e descobrimos que obtemos melhor qualidade, preços mais baratos e entregas mais rápidas, inclusive na coloração Filmes americanos feitos, do que se o trabalho fosse feito em outro lugar. ^[34]

No início da década de 1910, com o surgimento dos filmes de longa-metragem, o tingimento era usado como outro definidor de clima, tão comum quanto a música. O diretor D. W. Griffith demonstrou constante interesse e preocupação com as cores, e usou a coloração como um efeito especial em muitos de seus filmes. Seu épico de 1915, The Birth of a Nation , usou várias cores, incluindo âmbar, azul, lavanda e um tom vermelho impressionante para cenas como a "queima de Atlanta" e a viagem da Ku Klux Klan no clímax de a imagem. Mais tarde, Griffith inventou um sistema de cores no qual luzes coloridas piscavam em áreas da tela para obter uma cor.

Com o desenvolvimento da tecnologia sound-on-film e a aceitação da indústria, a coloração foi totalmente abandonada, porque as tinturas usadas no processo de coloração interferiam nas trilhas sonoras presentes nas tiras de filme. ^[3]

Estúdios de início [ editar ]

Os primeiros estúdios estavam localizados na área da cidade de Nova York . Edison Studios foi primeiro em West Orange, New Jersey (1892), eles foram transferidos para o Bronx, New York (1907). Fox (1909) e Biograph (1906) começaram em Manhattan , com estúdios em St George, Staten Island . Outros filmes foram rodados em Fort Lee, New Jersey . Em dezembro de 1908, Edison liderou a formação da Motion Picture Patents Company em uma tentativa de controlar a indústria e excluir produtores menores. O "Edison Trust", como foi apelidado, era composto por Edison , Biograph , Essanay Studios , Kalem Company, George Kleine Productions , Lubin Studios , Georges Méliès , Pathé , Selig Studios e Vitagraph Studios , e dominava a distribuição através da General Film Company . Essa empresa dominou o setor como monopólio vertical e horizontal e é um fator que contribui para a migração dos estúdios para a Costa Oeste. A Motion Picture Patents Co. e a General Film Co. foram consideradas culpadas de violação antitruste em outubro de 1915 e foram dissolvidas.

O estúdio de cinema Thanhouser foi fundado em New Rochelle, Nova York , em 1909 pelo empresário teatral americano Edwin Thanhouser . A empresa produziu e lançou 1.086 filmes entre 1910 e 1917, incluindo o primeiro filme em série , The Million Dollar Mystery , lançado em 1914. ^[35] Os primeiros westerns foram filmados no Fred Scott's Movie Ranch em South Beach, Staten Island. Atores fantasiados de cowboyse os nativos americanos galoparam pelo set de filmagem do rancho de Scott, que tinha uma rua principal na fronteira, uma ampla seleção de diligências e uma paliçada de 56 pés. A ilha forneceu um substituto útil para locais tão variados como o deserto do Saara e um campo de críquete britânico. Cenas de guerra foram filmadas nas planícies de Grasmere, Staten Island . The Perils of Pauline e sua sequência ainda mais popular, The Exploits of Elaine, foram filmados em grande parte na ilha. O mesmo aconteceu com o blockbuster de 1906, Life of a Cowboy , da Edwin S. Porter Company, e as filmagens mudaram-se para a Costa Oeste por volta de 1912.

Top bilheteria filmes mudos nos Estados Unidos [ editar ]

A seguir estão os filmes americanos da era do cinema mudo que tiveram a maior receita bruta em 1932. Os valores dados são os aluguéis brutos (a parte do distribuidor na bilheteria) e não os de exibição. ^[36]

Durante a era de som [ editar ]

Transição [ editar ]

Embora as tentativas de criar imagens em movimento com som sincronizado tenham voltado ao laboratório de Edison em 1896, somente a partir do início dos anos 1920 as tecnologias básicas, como amplificadores valvulados e alto-falantes de alta qualidade, estavam disponíveis. Os anos seguintes viram uma corrida para projetar, implementar e comercializar vários formatos de som sound-on-disc e sound-on-film rivais , como Photokinema (1921), Phonofilm (1923), Vitaphone (1926), Fox Movietone ( 1927) e RCA Photophone (1928).

Warner Bros. foi o primeiro estúdio a aceitar o som como um elemento na produção de filmes e a utilizar o Vitaphone, uma tecnologia de som em disco, para isso. ^[3] O estúdio então lançou The Jazz Singer em 1927, que marcou o primeiro filme sonoro de sucesso comercial , mas os filmes mudos ainda eram a maioria dos filmes lançados em 1927 e 1928, junto com os chamados filmes de glândula de cabra : silêncios com uma subseção de filme sonoro inserida. Assim, a era do cinema sonoro moderno pode ser considerada como chegando ao domínio a partir de 1929.

Para obter uma lista de filmes notáveis ​​da era muda, consulte Lista de anos no cinema nos anos entre o início do cinema e 1928. A lista a seguir inclui apenas filmes produzidos na era do som com a intenção artística específica de ser mudo.

• City Girl , FW Murnau , 1930
• Terra , Aleksandr Dovzhenko , 1930
• The Silent Enemy , HP Carver, 1930 ^{[37] [38]}
• Borderline , Kenneth Macpherson , 1930
• Luzes da cidade , Charlie Chaplin , 1931
• Tabu , FW Murnau, 1931
• Eu nasci, mas ... , Yasujirō Ozu , 1932
• Passing Fancy , Yasujirō Ozu, 1933
• A Deusa , Wu Yonggang , 1934
• A Story of Floating Weeds , Yasujirō Ozu, 1934
• Legong , Henri de la Falaise , 1935
• Uma pousada em Tóquio , Yasujirō Ozu, 1935

Homenagens posteriores [ editar ]

Vários cineastas prestaram homenagem às comédias da era muda, incluindo Charlie Chaplin , com Modern Times (1936), Orson Welles com Too Much Johnson (1938), Jacques Tati com Les Vacances de Monsieur Hulot (1953), Pierre Etaix com The Suitor (1962) e Mel Brooks com Silent Movie (1976). O aclamado drama Three Times (2005) do diretor taiwanês Hou Hsiao-hsien é silencioso durante seu terço médio, completo com legendas; Stanley Tucci é The Impostorstem uma sequência silenciosa de abertura no estilo das primeiras comédias silenciosas. Margarette's Feast (2003), do cineasta Renato Falcão, é mudo. O escritor / diretor Michael Pleckaitis dá seu toque pessoal ao gênero com Silent (2007). Embora não seja silenciosa, a série de televisão e filmes de Mr. Bean usaram a natureza não falante do personagem-título para criar um estilo de humor semelhante. Um exemplo menos conhecido é Jérôme Savary 's La fille du garde-barrière (1975), uma homenagem ao cinema mudo da época que usa intertítulos e misturas de comédia, drama, e cenas de sexo explícito (o que levou a que fosse recusado um certificado de cinema pelo British Board of Film Classification ).

Em 1990, Charles Lane dirigiu e estrelou Histórias de calçada , um baixo saudação orçamento para comédias silenciosas sentimentais, especialmente Charlie Chaplin 's The Kid .

O filme alemão Tuvalu (1999) é quase todo mudo; a pequena quantidade de diálogo é uma mistura ímpar de línguas europeias, aumentando a universalidade do filme. Guy Maddin ganhou prêmios por sua homenagem aos filmes mudos da era soviética com seu curta The Heart of the World, após o qual fez um longa metragem mudo, Brand Upon the Brain! (2006), incorporando artistas Foley ao vivo , narração e orquestra em exibições selecionadas. A Sombra do Vampiro (2000) é uma representação altamente ficcionada das filmagens de Friedrich Wilhelm Murnau clássico 's silencioso vampiro filme Nosferatu (1922). Werner Herzoghomenageou o mesmo filme em sua própria versão, Nosferatu: Phantom der Nacht (1979).

Alguns filmes traçam um contraste direto entre a era do cinema mudo e a era dos filmes falados. Sunset Boulevard mostra a desconexão entre as duas eras na personagem de Norma Desmond , interpretada pela estrela do cinema mudo Gloria Swanson , e Singin 'in the Rain trata de artistas de Hollywood se adaptando aos talkies. O filme de Peter Bogdanovich de 1976, Nickelodeon, lida com a turbulência do cinema mudo em Hollywood durante o início da década de 1910, levando ao lançamento do épico de D. W. Griffith , O Nascimento de uma Nação (1915).

Em 1999, o cineasta finlandês Aki Kaurismäki produziu Juha em preto e branco, que captura o estilo de um filme mudo, usando intertítulos no lugar do diálogo falado. Impressões de lançamento especial com títulos em vários idiomas diferentes foram produzidas para distribuição internacional. ^[39] Na Índia, o filme Pushpak (1988), ^[40] estrelado por Kamal Hassan , foi uma comédia negra totalmente desprovida de diálogo. O filme australiano Doctor Plonk(2007), foi uma comédia muda dirigida por Rolf de Heer. As peças de teatro se basearam em estilos e fontes de filmes mudos. Os atores / escritores Billy Van Zandt e Jane Milmore encenaram sua comédia pastelão off-Broadway Silent Laughter como um tributo ao vivo à era da tela muda. ^[41] Geoff Sobelle e Trey Lyford criaram e estrelaram All Wear Bowlers (2004), que começou como uma homenagem a Laurel e Hardy, em seguida, evoluiu para incorporar sequências de filmes mudos em tamanho real de Sobelle e Lyford, que alternam entre a ação ao vivo e a tela prateada. ^[42] O filme de animação Fantasia(1940), que consiste em oito diferentes sequências de animação musicadas, pode ser considerado um filme mudo, com apenas uma cena curta envolvendo diálogo. O filme de espionagem The Thief (1952) tem música e efeitos sonoros, mas nenhum diálogo, como o Vase de Noces de Thierry Zéno de 1974 e O anjo de 1982 de Patrick Bokanowski .

Em 2005, a H. P. Lovecraft Historical Society produziu uma versão em filme mudo da história de Lovecraft, The Call of Cthulhu . Este filme manteve um estilo de filmagem preciso do período e foi recebido tanto como "a melhor adaptação HPL até hoje" e, referindo-se à decisão de torná-lo um filme mudo, "um conceito brilhante". ^[43]

O filme francês The Artist (2011), escrito e dirigido por Michel Hazanavicius , funciona como um filme mudo e se passa em Hollywood durante a era do cinema mudo. Também inclui segmentos de filmes mudos fictícios estrelando seus protagonistas. ^[44]

O filme japonês de vampiros Sanguivorous (2011) não é feito apenas no estilo de um filme mudo, mas também sai em turnê com acompanhamento orquestral ao vivo. ^{[45] [46]} Eugene Chadbourne esteve entre aqueles que tocaram música ao vivo para o filme. ^[47]

Blancanieves é um filme de drama de fantasia muda espanhol em preto e branco de 2012 escrito e dirigido por Pablo Berger .

O longa-metragem americano Silent Life, lançado em 2006, tem como estréia em 2013 as atuações de Isabella Rossellini e Galina Jovovich , mãe de Milla Jovovich . O filme é baseado na vida do ícone do cinema mudo Rudolph Valentino , conhecido como o O primeiro "Grande Amante" de Hollywood. Após a cirurgia de emergência, Valentino perde o controle da realidade e começa a ver a lembrança de sua vida em Hollywood a partir de um coma - como um filme mudo exibido em um palácio de cinema, o portal mágico entre a vida e a eternidade, entre a realidade e ilusão. ^{[48] [49]}

O Piquenique é um curta-metragem de 2012 feito no estilo de comédias e melodramas mudos de dois rolos. Ele fez parte da exposição No Spectators: The Art of Burning Man, uma exposição 2018-2019 com curadoria da Renwick Gallery do Smithsonian American Art Museum . ^[50] O filme foi exibido dentro de umpalácio de cinema Art Déco sobre rodas emminiatura com 12 lugareschamado The Capitol Theatre , criado por Oakland, Ca. coletivo de arte Five Ton Crane .

Certo Há um curta-metragem de 2013 que é uma homenagem às comédias do cinema mudo.

O filme de animação britânico de 2015 Shaun the Sheep baseado em Shaun the Sheep foi lançado com críticas positivas e foi um sucesso de bilheteria. A Aardman Animations também produziu Morph e Timmy Time , bem como muitos outros curtas mudos.

A American Theatre Organ Society homenageia a música dos filmes mudos, bem como os órgãos de teatro que tocam essa música. Com mais de 75 capítulos locais, a organização busca preservar e divulgar os órgãos e a música do teatro, como forma de arte. ^[51]

O Globe International Silent Film Festival (GISFF) é um evento anual com foco na imagem e na atmosfera do cinema que acontece em uma universidade ou ambiente acadêmico de renome todos os anos e é uma plataforma para mostrar e julgar filmes de cineastas que atuam neste campo. ^[52] Em 2018, o diretor de cinema Christopher Annino filmou o agora internacionalmente premiado filme mudo de seu tipo Silent Times . ^{[53] [54] [55]} O filme homenageia muitos dos personagens da década de 1920, incluindo Officer Keystone interpretado por David Blair, e Enzio Marchello, que interpreta um personagem de Charlie Chaplin. Tempos de silêncioganhou o prêmio de melhor filme mudo no Festival de Cinema de Oniros. Situado em uma pequena cidade da Nova Inglaterra, a história se centra em Oliver Henry III (interpretado pelo nativo do oeste, Geoff Blanchette), um vigarista que se tornou proprietário de um teatro vaudeville. De origem humilde na Inglaterra, ele emigra para os Estados Unidos em busca de felicidade e dinheiro rápido. Ele se familiariza com pessoas de todas as esferas da vida, desde artistas burlescos, mímicos, vagabundos até garotas elegantes, conforme sua fortuna aumenta e sua vida fica cada vez mais fora de controle.

Preservação e filmes perdidos [ editar ]

A grande maioria dos filmes mudos produzidos no final do século 19 e no início do século 20 são considerados perdidos. De acordo com um relatório de setembro de 2013 publicado pela Biblioteca do Congresso dos Estados Unidos , cerca de 70 por cento dos filmes mudos americanos se enquadram nesta categoria. ^[56] Existem inúmeras razões para este número ser tão alto. Alguns filmes foram perdidos acidentalmente, mas a maioria dos filmes mudos foi destruída de propósito. Entre o fim da era muda e a ascensão do vídeo doméstico, os estúdios de cinema muitas vezes descartam um grande número de filmes mudos com o desejo de liberar armazenamento em seus arquivos, supondo que eles tenham perdido a relevância cultural e o valor econômico para justificar o quantidade de espaço que ocuparam. Além disso, devido à natureza frágil doestoque de filme de nitrato que foi usado para filmar e distribuir filmes mudos, muitos filmes se deterioraram irremediavelmente ou foram perdidos em acidentes, incluindo incêndios (porque o nitrato é altamente inflamável e pode entrar em combustão espontânea quando armazenado de forma inadequada). Exemplos de tais incidentes incluem o incêndio do cofre da MGM em 1965 e o incêndio do cofre da Fox em 1937 , ambos os quais incitaram perdas catastróficas de filmes. Muitos desses filmes não completamente destruídos sobrevivem apenas parcialmente ou em impressões muito danificadas. Alguns filmes perdidos, como London After Midnight (1927), perdido no incêndio da MGM, têm sido alvo de considerável interesse por colecionadores de filmes e historiadores .

Os principais filmes mudos presumivelmente perdidos incluem:

• Salvo do Titanic (1912), que apresentou sobreviventes do desastre; ^[57]
• A Vida do General Villa , estrelado pelopróprio Pancho Villa
• O Apóstolo , o primeiro longa-metragem de animação (1917)
• Cleópatra (1917) ^[58]
• Gold Diggers (1923)
• Beije-me de novo (1925)
• Arirang (1926)
• O Grande Gatsby (1926)
• Londres depois da meia-noite (1927)
• Gentlemen Prefer Blondes (1928) ^[59]

Embora a maioria dos filmes mudos perdidos nunca seja recuperada, alguns foram descobertos em arquivos de filmes ou coleções particulares. Versões descobertas e preservadas podem ser edições feitas para o mercado de aluguel de casas nas décadas de 1920 e 1930 que são descobertas em vendas de imóveis, etc. ^[60] A degradação do estoque de filmes antigos pode ser retardada por meio de arquivamento adequado e os filmes podem ser transferidos para segurança filme ou para mídia digital para preservação. A preservação de filmes mudos tem sido uma alta prioridade para historiadores e arquivistas. ^[61]

Dawson Film Find [ editar ]

Dawson City , no território Yukon do Canadá, já foi o fim da linha de distribuição de muitos filmes. Em 1978, um cache de mais de 500 rolos de filme de nitrato foi descoberto durante a escavação de um terreno baldio anteriormente local da Dawson Amateur Athletic Association, que começou a exibir filmes em seu centro recreativo em 1903. ^{[61] [62]} Obras de Pearl White , Helen Holmes , Grace Cunard , Lois Weber , Harold Lloyd , Douglas Fairbanks e Lon Chaney, entre outros, foram incluídos, bem como muitos cinejornais. Os títulos foram armazenados na biblioteca local até 1929, quando o nitrato inflamável foi usado como aterro sanitário em uma piscina condenada. Tendo passado 50 anos sob o permafrost do Yukon, as bobinas mostraram-se extremamente bem preservadas. Devido à sua perigosa volatilidade química, ^[63] a descoberta histórica foi movida por transporte militar para a Biblioteca e Arquivos do Canadá e a Biblioteca do Congresso dos Estados Unidos para armazenamento (e transferência para filme de segurança ). Um documentário sobre a descoberta, Dawson City: Frozen Time foi lançado em 2016. ^{[64] [65]}

Veja também [ editar ]

Referências [ editar ]

Notas de rodapé [ editar ]

Bibliografia [ editar ]

Leitura adicional [ editar ]

Ligações externas [ editar ]

O Wikimedia Commons possui mídia relacionada ao filme silencioso .

• O Internet Archive 's Silent Film Archive
• Silents, Please !: Avenidas interessantes na história do cinema silencioso
• The Silent Film Channel: Arquivo gratuito de filmes silenciosos