Arte

Panorama de uma seção de Mil Li de Montanhas e Rios , uma pintura do século 12 do artista da dinastia Song Wang Ximeng .

Na perspectiva da história da arte, ^{[10] as} obras artísticas existem há quase tanto tempo quanto a humanidade: da arte pré-histórica à arte contemporânea ; no entanto, alguns teóricos acham que o conceito típico de "obras artísticas" não se encaixa bem fora das sociedades ocidentais modernas. ^[11] Um dos primeiros sentidos da definição de arte está intimamente relacionado ao antigo significado latino, que se traduz aproximadamente como "habilidade" ou "habilidade", associado a palavras como "artesão". Palavras em inglês derivadas deste significado incluem artefato , artificial , artifício , artes médicas e artes militares . No entanto, existem muitos outros usos coloquiais da palavra, todos com alguma relação com sua etimologia .

Garrafa do século 20, povos Twa , Ruanda, Obras artísticas podem servir a funções práticas, além de seu valor decorativo.

Com o tempo, filósofos como Platão , Aristóteles , Sócrates e Kant , entre outros, questionaram o significado da arte. ^[12] Vários diálogos em Platão abordam questões sobre arte: Sócrates diz que a poesia é inspirada nas musas , e não é racional. Ele fala com aprovação disso e de outras formas de loucura divina (embriaguez, erotismo e sonho) no Fedro (265a-c) e, ainda assim, na República quer proibir a grande arte poética de Homero, e também o riso. Em Íon , Sócrates não dá nenhum indício da desaprovação de Homero que expressa na República . O diálogo Ion sugere que Homer 's Ilíada funcionava no antigo mundo grego como a Bíblia faz hoje no mundo cristão moderno: como divinamente inspirado arte literária que podem fornecer orientação moral, se só ele pode ser adequadamente interpretado. ^[13]

No que diz respeito à arte literária e às artes musicais, Aristóteles considerava a poesia épica , a tragédia, a comédia, a poesia ditirâmbica e a música arte mimética ou imitativa, cada uma variando na imitação por meio, objeto e maneira. ^[14] Por exemplo, a música imita com a mídia do ritmo e da harmonia, enquanto a dança imita apenas com o ritmo, e a poesia com a linguagem. As formas também diferem em seu objeto de imitação. A comédia, por exemplo, é uma imitação dramática de homens piores do que a média; enquanto a tragédia imita os homens um pouco melhor do que a média. Por último, as formas diferem em sua maneira de imitação - por meio de narrativa ou personagem, por meio de mudança ou nenhuma mudança, e por meio de drama ou nenhum drama. ^[15] Aristóteles acreditava que a imitação é natural para a humanidade e constitui uma das vantagens da humanidade sobre os animais. ^[16]

O sentido mais recente e específico da palavra arte como abreviatura de arte criativa ou belas-artes surgiu no início do século XVII. ^[17] Belas artes referem-se a uma habilidade usada para expressar a criatividade do artista, ou para envolver as sensibilidades estéticas do público, ou para atrair o público para a consideração de obras de arte mais refinadas ou refinadas .

Neste último sentido, a palavra arte pode se referir a várias coisas: (i) um estudo de uma habilidade criativa, (ii) um processo de usar a habilidade criativa, (iii) um produto da habilidade criativa, ou (iv) o experiência do público com a habilidade criativa. As artes criativas ( arte como disciplina) são uma coleção de disciplinas que produzem obras de arte ( arte como objetos) que são compelidas por um impulso pessoal (arte como atividade) e transmitem uma mensagem, humor ou simbolismo para o observador interpretar (arte como experiência). Arte é algo que estimula os pensamentos, emoções, crenças ou ideias de um indivíduo por meio dos sentidos. As obras de arte podem ser feitas explicitamente para esse fim ou interpretadas com base em imagens ou objetos. Para alguns estudiosos, como Kant , as ciências e as artes poderiam ser distinguidas considerando-se que as ciências representavam o domínio do conhecimento e as artes representavam o domínio da liberdade de expressão artística. ^[18]

Freqüentemente, se a habilidade estiver sendo usada de uma maneira comum ou prática, as pessoas a considerarão um ofício em vez de arte. Da mesma forma, se a habilidade estiver sendo usada de forma comercial ou industrial, pode ser considerada arte comercial em vez de arte. Por outro lado, artesanato e design às vezes são considerados arte aplicada . Alguns seguidores da arte argumentaram que a diferença entre belas-artes e arte aplicada tem mais a ver com os julgamentos de valor feitos sobre a arte do que com qualquer diferença de definição clara. ^[19] No entanto, mesmo as belas-artes costumam ter objetivos além da pura criatividade e autoexpressão. O objetivo das obras de arte pode ser comunicar idéias, como na arte com motivação política, espiritual ou filosófica; para criar um senso de beleza (veja estética ); para explorar a natureza da percepção; por prazer; ou para gerar emoções fortes . O propósito também pode ser aparentemente inexistente.

A natureza da arte foi descrita pelo filósofo Richard Wollheim como "um dos mais elusivos dos problemas tradicionais da cultura humana". ^{[20] A} arte foi definida como um veículo para a expressão ou comunicação de emoções e ideias, um meio para explorar e apreciar os elementos formais por si próprios e como mimese ou representação . A arte como mimese tem raízes profundas na filosofia de Aristóteles . ^[21] Leão Tolstoi identificou a arte como um uso de meios indiretos para se comunicar de uma pessoa para outra. ^[21] Benedetto Croce e RG Collingwood propuseram a visão idealista de que a arte expressa emoções e que a obra de arte, portanto, existe essencialmente na mente do criador. ^{[22] [23]} A teoria da arte como forma tem suas raízes na filosofia de Kant e foi desenvolvida no início do século 20 por Roger Fry e Clive Bell . Mais recentemente, pensadores influenciados por Martin Heidegger interpretaram a arte como o meio pelo qual uma comunidade desenvolve para si mesma um meio de auto-expressão e interpretação. ^[24] George Dickie ofereceu uma teoria institucional da arte que define uma obra de arte como qualquer artefato ao qual uma pessoa qualificada ou pessoas agindo em nome da instituição social comumente referida como "o mundo da arte " conferiu "o status de candidato à apreciação ". ^[25] Larry Shiner descreveu as belas-artes como "não uma essência ou um destino, mas algo que fizemos. A arte como geralmente a entendemos é uma invenção europeia com apenas duzentos anos de idade". ^[26]

A arte pode ser caracterizada em termos de mimese (sua representação da realidade), narrativa (contar histórias), expressão, comunicação de emoção ou outras qualidades. Durante o período romântico , a arte passou a ser vista como "uma faculdade especial da mente humana a ser classificada com a religião e a ciência". ^[27]

Vênus de Willendorf , cerca de 24.000-22.000  BP

Parte de trás de uma bacia ou prato oval renascentista, no Metropolitan Museum of Art

Determinou-se que uma concha gravada pelo Homo erectus tinha entre 430.000 e 540.000 anos. ^[28] Um conjunto de oito garras de águia de cauda branca com 130.000 anos de idade apresentam marcas de corte e abrasão que indicam manipulação por neandertais, possivelmente para usá-las como joias. ^[29] Uma série de conchas de caracol minúsculas perfuradas com cerca de 75.000 anos - foram descobertas em uma caverna sul-africana. ^[30] Recipientes que podem ter sido usados ​​para conter tintas foram encontrados datando de 100.000 anos. ^[31]

Esculturas, pinturas rupestres , pinturas rupestres e petróglifos do Paleolítico Superior datando de cerca de 40.000 anos atrás foram encontrados, ^[32] mas o significado preciso dessa arte é frequentemente contestado porque muito pouco se sabe sobre as culturas que os produziram.

Pintura rupestre de um cavalo das cavernas de Lascaux , cerca de 16.000 anos AP

Muitas grandes tradições na arte têm base na arte de uma das grandes civilizações antigas: Antigo Egito , Mesopotâmia , Pérsia , Índia, China, Grécia Antiga, Roma, bem como Inca , Maia e Olmeca . Cada um desses centros da civilização primitiva desenvolveu um estilo único e característico em sua arte. Devido ao tamanho e à duração dessas civilizações, mais de suas obras de arte sobreviveram e mais de sua influência foi transmitida a outras culturas e épocas posteriores. Alguns também forneceram os primeiros registros de como os artistas trabalharam. Por exemplo, este período da arte grega viu uma veneração da forma física humana e o desenvolvimento de habilidades equivalentes para mostrar musculatura, equilíbrio, beleza e proporções anatomicamente corretas. ^[33]

Na arte bizantina e medieval da Idade Média Ocidental, grande parte da arte se concentrava na expressão de assuntos sobre a cultura bíblica e religiosa, e usava estilos que mostravam a glória superior de um mundo celestial, como o uso de ouro no fundo de pinturas, ou vidro em mosaicos ou janelas, que também apresentavam figuras em formas idealizadas e padronizadas (planas). No entanto, uma tradição realista clássica persistiu em pequenas obras bizantinas, e o realismo cresceu continuamente na arte da Europa católica . ^[34]

A arte da Renascença teve uma ênfase muito maior na representação realista do mundo material e no lugar dos humanos nele, refletido na corporeidade do corpo humano, e no desenvolvimento de um método sistemático de perspectiva gráfica para representar a recessão de uma forma tridimensional espaço de imagem. ^[35]

A assinatura estilizada do Sultão Mahmud II do Império Otomano foi escrita em caligrafia islâmica . Diz "Mahmud Khan, filho de Abdulhamid, para sempre vitorioso".

A Grande Mesquita de Kairouan, na Tunísia, também chamada de Mesquita de Uqba, é um dos melhores, mais significativos e mais bem preservados exemplos artísticos e arquitetônicos das primeiras grandes mesquitas. Datado em seu estado atual do século 9, é o ancestral e modelo de todas as mesquitas nas terras islâmicas ocidentais. ^[36]

No leste, a rejeição da iconografia pela arte islâmica levou à ênfase em padrões geométricos , caligrafia e arquitetura . ^[37] Mais a leste, a religião dominou estilos e formas artísticas também. A Índia e o Tibete deram ênfase às esculturas pintadas e à dança, enquanto a pintura religiosa emprestou muitas convenções da escultura e tendeu a cores contrastantes brilhantes com ênfase nos contornos. A China viu o florescimento de muitas formas de arte: escultura em jade, bronze, cerâmica (incluindo o impressionante exército de terracota do imperador Qin ^[38] ), poesia, caligrafia, música, pintura, drama, ficção, etc. Os estilos chineses variam muito de uma época para outra era e cada um é tradicionalmente nomeado após a dinastia governante. Assim, por exemplo, as pinturas da dinastia Tang são monocromáticas e esparsas, enfatizando paisagens idealizadas, mas as pinturas da dinastia Ming são ocupadas e coloridas e se concentram em contar histórias por meio de cenário e composição. ^{[39] O} Japão também nomeia seus estilos com base nas dinastias imperiais, e também viu muita interação entre os estilos de caligrafia e pintura. A impressão em xilogravura tornou-se importante no Japão após o século XVII. ^[40]

Pintura do artista da dinastia Song Ma Lin, cerca de 1250. 24,8 × 25,2 cm

A Idade do Iluminismo ocidental no século 18 viu representações artísticas de certezas físicas e racionais do universo mecânico, bem como visões politicamente revolucionárias de um mundo pós-monarquista, como a representação de Newton por Blake como um geômetra divino, ^{[41 ]} ou pinturas propagandísticas de David . Isso levou à rejeição romântica disso em favor de imagens do lado emocional e da individualidade dos humanos, exemplificadas nos romances de Goethe . O final do século 19 viu uma série de movimentos artísticos, como arte acadêmica , simbolismo , impressionismo e fauvismo, entre outros. ^{[42] [43]}

A história da arte do século 20 é uma narrativa de possibilidades infinitas e da busca por novos padrões, cada um sendo destruído em sucessão pelo próximo. Assim, os parâmetros do Impressionismo , Expressionismo , Fauvismo , Cubismo , Dadaísmo , Surrealismo , etc. não podem ser mantidos muito além do tempo de sua invenção. A crescente interação global durante este tempo viu uma influência equivalente de outras culturas na arte ocidental. Assim, as gravuras em xilogravura japonesas (elas mesmas influenciadas pelo desenho da Renascença Ocidental) tiveram uma influência imensa no impressionismo e no desenvolvimento subsequente. Mais tarde, as esculturas africanas foram retomadas por Picasso e, em certa medida, por Matisse . Da mesma forma, nos séculos 19 e 20, o Ocidente teve um grande impacto na arte oriental, com ideias originalmente ocidentais, como o comunismo e o pós-modernismo, exercendo uma influência poderosa. ^[44]

O modernismo , a busca idealista da verdade, deu lugar na segunda metade do século 20 à compreensão de sua inatingibilidade. Theodor W. Adorno disse em 1970: "Agora é dado como certo que nada que diga respeito à arte pode ser considerado certo: nem a própria arte, nem a arte em relação ao todo, nem mesmo o direito da arte de existir." ^{[45] O} relativismo foi aceito como uma verdade inevitável, o que levou ao período da arte contemporânea e da crítica pós - moderna , onde as culturas do mundo e da história são vistas como formas mutáveis, que podem ser apreciadas e extraídas apenas com ceticismo e ironia. Além disso, a separação de culturas está cada vez mais confusa e alguns argumentam que agora é mais apropriado pensar em termos de uma cultura global, em vez de regionais. ^[46]

Em A Origem da Obra de Arte , Martin Heidegger, filósofo alemão e pensador seminal, descreve a essência da arte em termos dos conceitos de ser e verdade. Ele argumenta que a arte não é apenas uma forma de expressar o elemento de verdade em uma cultura, mas o meio de criá-la e fornecer um trampolim a partir do qual "aquilo que é" pode ser revelado. Obras de arte não são meramente representações de como as coisas são, mas na verdade produzem o entendimento compartilhado de uma comunidade. Cada vez que uma nova obra de arte é adicionada a qualquer cultura, o significado do que é existir é inerentemente alterado.

Historicamente, as habilidades e ideias artísticas e artísticas têm sido disseminadas frequentemente por meio do comércio. Um exemplo disso é a Rota da Seda , onde influências helenísticas, iranianas, indianas e chinesas puderam se misturar. A arte budista Greco é um dos exemplos mais vívidos dessa interação. O encontro de diferentes culturas e visões de mundo também influenciou a criação artística. Um exemplo disso é a metrópole multicultural de Trieste no início do século 20, onde James Joyce conheceu escritores da Europa Central e o desenvolvimento artístico da cidade de Nova York como um caldeirão cultural. ^{[47] [48] [49]}

Napoleão I em seu trono imperial por Ingres (francês, 1806), óleo sobre tela

As artes criativas são frequentemente divididas em categorias mais específicas, normalmente ao longo de categorias perceptualmente distinguíveis, como mídia , gênero, estilos e forma. ^{[50] A} forma de arte refere-se aos elementos da arte que são independentes de sua interpretação ou significado. Abrange os métodos adotados pelo artista e a composição física da obra de arte, principalmente aspectos não semânticos da obra (ou seja, figurae ), ^[51] como cor , contorno , dimensão , meio , melodia , espaço , textura e valor . A forma também pode incluir princípios de design visual , como arranjo, equilíbrio , contraste , ênfase , harmonia , proporção , proximidade e ritmo. ^[52]

Em geral, existem três escolas de filosofia sobre arte, focando respectivamente na forma, no conteúdo e no contexto. ^[52] O Formalismo Extremo é a visão de que todas as propriedades estéticas da arte são formais (isto é, parte da forma de arte). Os filósofos rejeitam quase universalmente essa visão e sustentam que as propriedades e a estética da arte vão além dos materiais, técnicas e formas. ^[53] Infelizmente, há pouco consenso sobre a terminologia dessas propriedades informais. Alguns autores referem-se ao assunto e ao conteúdo - ou seja, denotações e conotações - enquanto outros preferem termos como significado e importância. ^[52]

O Intencionalismo Extremo sustenta que a intenção autoral desempenha um papel decisivo no significado de uma obra de arte, transmitindo o conteúdo ou ideia principal essencial, enquanto todas as outras interpretações podem ser descartadas. ^[54] Ele define o assunto como as pessoas ou ideia representada, ^[55] e o conteúdo como a experiência do artista desse assunto. ^[56] Por exemplo, a composição de Napoleão I em seu trono imperial é parcialmente emprestada da estátua de Zeus em Olímpia . Como evidenciado pelo título, o assunto é Napoleão , e o conteúdo é a representação de Napoleão por Ingres como "Imperador-Deus além do tempo e do espaço". ^[52] Similarmente ao formalismo extremo, os filósofos normalmente rejeitam o intencionalismo extremo, porque a arte pode ter múltiplos significados ambíguos e a intenção autoral pode ser incognoscível e, portanto, irrelevante. Sua interpretação restritiva é "socialmente insalubre, filosoficamente irreal e politicamente insensata". ^[52]

Finalmente, a teoria em desenvolvimento do pós-estruturalismo estuda a importância da arte em um contexto cultural, como as idéias, emoções e reações provocadas por uma obra. ^[57] O contexto cultural muitas vezes se reduz às técnicas e intenções do artista, caso em que a análise prossegue ao longo de linhas semelhantes ao formalismo e intencionalismo. Em outros casos, porém, podem predominar condições históricas e materiais, como convicções religiosas e filosóficas, estruturas sociopolíticas e econômicas, ou mesmo clima e geografia. A crítica de arte continua a crescer e se desenvolver ao lado da arte. ^[52]

Habilidade e habilidade

A Criação de Adão , detalhe doafrescode Michelangelo na Capela Sistina (1511)

A arte pode conotar um senso de habilidade treinada ou domínio de um meio . Arte também pode simplesmente se referir ao uso desenvolvido e eficiente de uma linguagem para transmitir significado com rapidez ou profundidade. A arte pode ser definida como um ato de expressar sentimentos, pensamentos e observações. ^[58]

Há uma compreensão que se chega com o material a partir do manuseio, o que facilita o processo de pensamento. Uma visão comum é que o epíteto "arte", particular em seu sentido elevado, requer um certo nível de perícia criativa do artista, seja esta uma demonstração de habilidade técnica, uma originalidade na abordagem estilística, ou uma combinação dos dois. Tradicionalmente, a habilidade de execução era vista como uma qualidade inseparável da arte e, portanto, necessária para seu sucesso; para Leonardo da Vinci , a arte, nem mais nem menos do que seus outros empreendimentos, era uma manifestação de habilidade. ^[59] O trabalho de Rembrandt , agora elogiado por suas virtudes efêmeras, foi mais admirado por seus contemporâneos por seu virtuosismo. ^[60] Na virada do século 20, as performances habilidosas de John Singer Sargent eram alternadamente admiradas e vistas com ceticismo por sua fluência manual, ^[61] mas quase ao mesmo tempo o artista que se tornaria o artista mais reconhecido e peripatético da era iconoclasta, Pablo Picasso , estava concluindo uma formação acadêmica tradicional na qual se destacou. ^{[62] [63]}

Detalhe de Leonardo da Vinci 's Mona Lisa , c. 1503-1506, mostrando a técnica de pintura do sfumato

Uma crítica contemporânea comum de alguma arte moderna ocorre ao longo das linhas de objeção à aparente falta de habilidade ou habilidade exigida na produção do objeto artístico. Na arte conceitual, a " Fonte " de Marcel Duchamp está entre os primeiros exemplos de peças em que o artista usou objetos encontrados ("prontos") e não exerceu nenhum conjunto de habilidades tradicionalmente reconhecido. ^[64] Tracey Emin 's My Bed ou Damien Hirst 's The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living seguem este exemplo e também manipulam a mídia de massa. Emin dormia (e se envolvia em outras atividades) em sua cama antes de colocar o resultado em uma galeria como obra de arte. Hirst veio com o projeto conceitual para a obra de arte, mas deixou a maior parte da eventual criação de muitas obras para artesãos empregados. A celebridade de Hirst baseia-se inteiramente em sua capacidade de produzir conceitos chocantes. ^[65] A produção real em muitas obras de arte conceituais e contemporâneas é uma questão de montagem de objetos encontrados. No entanto, existem muitos artistas modernistas e contemporâneos que continuam a se destacar nas habilidades de desenho e pintura e na criação de obras de arte práticas . ^[66]

Um tapete Navajo feito por volta de 1880

Miniatura de Beatus moçárabe . Espanha, final do século 10

A arte teve um grande número de funções diferentes ao longo de sua história, tornando seu propósito difícil de abstrair ou quantificar para um único conceito. Isso não significa que o propósito da Arte seja "vago", mas que ela teve muitas razões únicas e diferentes para ter sido criada. Algumas dessas funções da Arte são fornecidas no esboço a seguir. As diferentes finalidades da arte podem ser agrupadas de acordo com aquelas que são motivadas e aquelas que são motivadas (Lévi-Strauss). ^[67]

Funções não motivadas

Os propósitos não motivados da arte são aqueles que são parte integrante do ser humano, transcendem o indivíduo ou não cumprem um propósito externo específico. Nesse sentido, Arte, como criatividade, é algo que os humanos devem fazer por sua própria natureza (ou seja, nenhuma outra espécie cria arte) e, portanto, está além da utilidade. ^[67]

1. Instinto humano básico para harmonia, equilíbrio, ritmo . A arte neste nível não é uma ação ou um objeto, mas uma apreciação interna de equilíbrio e harmonia (beleza) e, portanto, um aspecto do ser humano além da utilidade.

   A imitação, então, é um instinto de nossa natureza. Em seguida, há o instinto de "harmonia" e ritmo, os metros sendo manifestamente seções de ritmo. As pessoas, portanto, a partir desse dom natural, desenvolveram gradativamente suas aptidões especiais, até que suas rudes improvisações deram origem à Poesia. - Aristóteles ^[68]

2. Experiência do misterioso. A arte fornece uma maneira de experimentar a si mesmo em relação ao universo. Essa experiência pode muitas vezes vir desmotivada, pois se aprecia arte, música ou poesia.

   A coisa mais linda que podemos experimentar é o misterioso. É a fonte de toda verdadeira arte e ciência. - Albert Einstein ^[69]

3. Expressão da imaginação. A arte fornece um meio de expressar a imaginação de maneiras não gramaticais que não estão vinculadas à formalidade da linguagem falada ou escrita. Ao contrário das palavras, que vêm em sequências e cada uma das quais tem um significado definido, a arte fornece uma gama de formas, símbolos e ideias com significados que são maleáveis.

   A águia de Júpiter [como um exemplo de arte] não é, como os atributos lógicos (estéticos) de um objeto, o conceito de sublimidade e majestade da criação, mas sim outra coisa - algo que dá à imaginação um incentivo para espalhar seu voo sobre um toda uma série de representações afins que provocam mais pensamento do que admite expressão em um conceito determinado por palavras. Eles fornecem uma ideia estética, que serve à ideia racional acima como um substituto para a apresentação lógica, mas com a função apropriada, entretanto, de animar a mente, abrindo para ela uma perspectiva em um campo de representações semelhantes que se estendem além de seu alcance. - Immanuel Kant ^[70]

4. Funções ritualísticas e simbólicas. Em muitas culturas, a arte é usada em rituais, apresentações e danças como decoração ou símbolo. Embora muitas vezes não tenham um propósito utilitário (motivado) específico, os antropólogos sabem que muitas vezes servem a um propósito no nível do significado dentro de uma cultura particular. Este significado não é fornecido por nenhum indivíduo, mas é freqüentemente o resultado de muitas gerações de mudanças e de uma relação cosmológica dentro da cultura.

   A maioria dos estudiosos que lidam com pinturas rupestres ou objetos recuperados de contextos pré-históricos que não podem ser explicados em termos utilitários e, portanto, são categorizados como decorativos, rituais ou simbólicos, estão cientes da armadilha representada pelo termo 'arte'. - Silva Tomaskova ^[71]

Funções motivadas

Finalidades motivadas da arte referem-se a ações intencionais e conscientes por parte dos artistas ou criador. Podem ser para provocar mudanças políticas, para comentar um aspecto da sociedade, para transmitir uma emoção ou estado de espírito específico, para abordar a psicologia pessoal, para ilustrar outra disciplina, para (com artes comerciais) vender um produto ou simplesmente como uma forma de comunicação. ^{[67] [72]}

1. Comunicação. A arte, na sua forma mais simples, é uma forma de comunicação. Como a maioria das formas de comunicação tem uma intenção ou objetivo direcionado a outro indivíduo, esse é um propósito motivado. As artes ilustrativas, como a ilustração científica, são uma forma de arte como comunicação. Os mapas são outro exemplo. No entanto, o conteúdo não precisa ser científico. Emoções, humores e sentimentos também são comunicados por meio da arte.

   [Arte é um conjunto de] artefatos ou imagens com significados simbólicos como meio de comunicação. - Steve Mithen ^[73]

2. Arte como entretenimento . A arte pode buscar provocar uma emoção ou estado de espírito específico, com o propósito de relaxar ou entreter o espectador. Freqüentemente, essa é a função das indústrias artísticas de filmes e videogames. ^[74]
3. A vanguarda. Arte para mudança política. Uma das funções definidoras da arte do início do século 20 tem sido usar imagens visuais para provocar mudanças políticas. Os movimentos artísticos que tinham esse objetivo - dadaísmo , surrealismo , construtivismo russo e expressionismo abstrato , entre outros - são coletivamente chamados de artes de vanguarda .

   Em contraste, a atitude realista, inspirada pelo positivismo, de Santo Tomás de Aquino a Anatole França, parece-me claramente hostil a qualquer avanço intelectual ou moral. Eu detesto isso, pois é feito de mediocridade, ódio e presunção enfadonha. É essa atitude que hoje dá origem a esses livros ridículos, essas peças insultuosas. Constantemente se alimenta e extrai força dos jornais e embrutece tanto a ciência quanto a arte, lisonjeando assiduamente o mais baixo dos gostos; clareza beirando a estupidez, a vida de um cachorro. - André Breton (Surrealismo) ^[75]

4. A arte como “zona franca” , afastada da ação da censura social. Ao contrário dos movimentos de vanguarda , que queriam apagar as diferenças culturais para produzir novos valores universais, a arte contemporânea aumentou sua tolerância às diferenças culturais, bem como suas funções críticas e libertadoras (investigação social, ativismo, subversão, desconstrução ... ), tornando-se um local mais aberto à pesquisa e experimentação. ^[76]
5. Arte para investigação social, subversão ou anarquia. Embora semelhante à arte para mudança política, a arte subversiva ou desconstrutivista pode buscar questionar aspectos da sociedade sem qualquer objetivo político específico. Nesse caso, a função da arte pode ser simplesmente criticar algum aspecto da sociedade.
   

   Pulverizador-pintura de graffiti em uma parede em Roma
   A arte do graffiti e outros tipos de arte de rua são gráficos e imagens pintados com spray ou estampados em paredes, prédios, ônibus, trens e pontes visíveis ao público, geralmente sem permissão. Certas formas de arte, como graffiti, também podem ser ilegais quando infringem as leis (neste caso, vandalismo).
6. Arte para causas sociais. A arte pode ser usada para aumentar a conscientização para uma grande variedade de causas. Uma série de atividades artísticas foram destinadas a aumentar a conscientização sobre o autismo , ^{[77] [78] [79]} câncer, ^{[80] [81] [82]} tráfico humano , ^{[83] [84]} e uma variedade de outros tópicos, como como conservação do oceano, ^[85] direitos humanos em Darfur , ^[86] assassinato e desaparecimento de mulheres aborígines, ^[87] abuso de idosos ^[88] e poluição. ^[89] Trashion , usando lixo para fazer moda, praticada por artistas como Marina DeBris é um exemplo de uso da arte para aumentar a conscientização sobre a poluição.
7. Arte para fins psicológicos e de cura. A arte também é usada por arteterapeutas , psicoterapeutas e psicólogos clínicos como arteterapia . A série de desenhos diagnósticos , por exemplo, é usada para determinar a personalidade e o funcionamento emocional de um paciente. O produto final não é o objetivo principal neste caso, mas sim um processo de cura, através de atos criativos. A obra de arte resultante também pode oferecer uma visão sobre os problemas vividos pelo sujeito e pode sugerir abordagens adequadas para serem usadas em formas mais convencionais de terapia psiquiátrica. ^[90]
8. Arte para propaganda ou comercialismo. A arte é frequentemente utilizada como forma de propaganda e, portanto, pode ser usada para influenciar sutilmente as concepções ou o humor populares. Da mesma forma, a arte que tenta vender um produto também influencia o humor e a emoção. Em ambos os casos, o objetivo da arte aqui é manipular sutilmente o espectador em uma resposta emocional ou psicológica específica em relação a uma ideia ou objeto específico. ^[91]
9. A arte como indicador de aptidão. Argumentou-se que a capacidade do cérebro humano excede em muito o que era necessário para a sobrevivência no ambiente ancestral. Uma explicação da psicologia evolucionista para isso é que o cérebro humano e as características associadas (como habilidade artística e criatividade) são o equivalente humano da cauda do pavão . Argumentou-se que o propósito da cauda extravagante do pavão macho era atrair as fêmeas (ver também o princípio da fuga e da desvantagem de Fisher ). De acordo com essa teoria, a execução superior da arte era evolutivamente importante porque atraía parceiros. ^[92]

As funções da técnica descritas acima não são mutuamente exclusivas, pois muitas delas podem se sobrepor. Por exemplo, a arte para fins de entretenimento também pode buscar a venda de um produto, ou seja, o filme ou videogame.

O Metropolitan Museum of Art de Manhattan . Os museus são fóruns importantes para a exibição de artes visuais .

Desde os tempos antigos, muitas das melhores obras de arte representaram uma exibição deliberada de riqueza ou poder, muitas vezes obtida com o uso de escala maciça e materiais caros. Muita arte foi encomendada por governantes políticos ou estabelecimentos religiosos, com versões mais modestas disponíveis apenas para os mais ricos da sociedade. ^[93]

No entanto, houve muitos períodos em que a arte de altíssima qualidade estava disponível, em termos de propriedade, em grandes partes da sociedade, sobretudo em mídias baratas como a cerâmica, que persiste no solo, e em mídias perecíveis, como têxteis e madeira . Em muitas culturas diferentes, as cerâmicas dos povos indígenas das Américas são encontradas em uma ampla gama de túmulos que claramente não estavam restritas a uma elite social , ^[94] embora outras formas de arte possam ter sido. Os métodos reprodutivos, como os moldes, tornaram a produção em massa mais fácil e foram usados ​​para levar a cerâmica da Roma Antiga de alta qualidade e as estatuetas da Tanagra grega a um mercado muito amplo. Os selos cilíndricos eram artísticos e práticos, e amplamente usados ​​pelo que pode ser vagamente chamado de classe média no Antigo Oriente Próximo . ^[95] Uma vez que as moedas foram amplamente utilizadas, elas também se tornaram uma forma de arte que alcançou a mais ampla gama da sociedade. ^[96]

Outra inovação importante veio no século 15 na Europa, quando a gravura começou com pequenas xilogravuras , principalmente religiosas, que muitas vezes eram muito pequenas e coloridas à mão, e acessíveis até mesmo por camponeses que as colavam nas paredes de suas casas. Os livros impressos eram inicialmente muito caros, mas caíram constantemente de preço até o século 19, até mesmo os mais pobres podiam pagar alguns com ilustrações impressas. ^[97] Impressões populares de muitos tipos diferentes decoraram casas e outros lugares por séculos. ^[98]

O Museu de Arte de Basel ( Suíça ), é o museu público de arte mais antigo do mundo.

Em 1661, a cidade de Basel , na Suíça , inaugurou o primeiro museu público de arte do mundo, o Kunstmuseum Basel . Hoje, sua coleção se distingue por um período histórico impressionante, desde o início do século 15 até o presente imediato. As suas várias áreas de destaque conferem-lhe uma posição internacional como um dos museus mais significativos do seu género. Eles incluem: pinturas e desenhos de artistas ativos na região do Alto Reno entre 1400 e 1600 e sobre a arte dos séculos 19 a 21. ^[99]

Edifícios e monumentos públicos , seculares e religiosos, por sua natureza normalmente se dirigem a toda a sociedade e aos visitantes como espectadores, e a exibição ao público em geral tem sido um fator importante em seu design. Os templos egípcios são típicos porque a decoração mais ampla e luxuosa era colocada nas partes que podiam ser vistas pelo público em geral, e não nas áreas vistas apenas pelos sacerdotes. ^[100] Muitas áreas de palácios reais, castelos e casas da elite social eram geralmente acessíveis, e grandes partes das coleções de arte dessas pessoas podiam ser vistas, por qualquer pessoa ou por aqueles que podiam pagar um pequeno preço , ou aqueles vestindo as roupas corretas, independentemente de quem fossem, como no Palácio de Versalhes , onde os acessórios extras apropriados (fivelas de prata para sapatos e uma espada) podiam ser alugados em lojas do lado de fora. ^[101]

Arranjos especiais foram feitos para permitir ao público ver muitas coleções reais ou particulares colocadas em galerias, como aconteceu com a Coleção Orleans, em sua maioria alojada em uma ala do Palais Royal em Paris, que poderia ser visitada durante a maior parte do século XVIII. ^[102] Na Itália, o turismo artístico do Grand Tour se tornou uma grande indústria a partir do Renascimento, e governos e cidades fizeram esforços para tornar suas principais obras acessíveis. A Coleção Real Britânica permanece distinta, mas grandes doações, como a Antiga Biblioteca Real, foram feitas dela para o Museu Britânico , estabelecido em 1753. O Uffizi em Florença foi inaugurado inteiramente como uma galeria em 1765, embora esta função tenha gradualmente assumido o edifício sobre os escritórios dos funcionários públicos originais por um longo tempo antes. ^[103] O prédio agora ocupado pelo Prado em Madri foi construído antes da Revolução Francesa para a exibição pública de partes da coleção de arte real, e galerias reais semelhantes abertas ao público existiam em Viena , Munique e outras capitais. A abertura do Musée du Louvre durante a Revolução Francesa (em 1793) como um museu público para grande parte da antiga coleção real francesa certamente marcou uma etapa importante no desenvolvimento do acesso público à arte, transferindo a propriedade para um estado republicano, mas foi uma continuação de tendências já bem estabelecidas. ^[104]

A maioria dos museus públicos modernos e programas de educação artística para crianças nas escolas pode ser rastreada até esse impulso de ter arte disponível para todos. Os museus nos Estados Unidos tendem a ser presentes dos muito ricos para as massas. ( O Metropolitan Museum of Art da cidade de Nova York, por exemplo, foi criado por John Taylor Johnston , um executivo ferroviário cuja coleção pessoal de arte semeou o museu.) Mas, apesar de tudo isso, pelo menos uma das funções importantes da arte no século 21 século permanece como um marcador de riqueza e status social. ^[105]

Tem havido tentativas de artistas de criar arte que não pode ser comprada pelos ricos como um objeto de status. Um dos principais motivadores originais de grande parte da arte do final dos anos 1960 e 1970 foi criar arte que não pudesse ser comprada e vendida. É "necessário apresentar algo mais do que meros objetos" ^[106], disse o maior artista alemão do pós-guerra Joseph Beuys. Este período viu o surgimento de coisas como arte performática, arte em vídeo e arte conceitual . A ideia era que se a obra de arte fosse uma performance que não deixasse nada para trás, ou fosse simplesmente uma ideia, ela não poderia ser comprada e vendida. "Os preceitos democráticos que giram em torno da ideia de que uma obra de arte é uma mercadoria impulsionaram a inovação estética que germinou em meados da década de 1960 e foi colhida ao longo da década de 1970. Artistas amplamente identificados sob o título de arte conceitual ... substituindo a performance e as atividades editoriais para o engajamento com as preocupações materiais e materialistas da forma pintada ou escultural ... [têm] se esforçado para minar o objeto de arte enquanto objeto. " ^[107]

Versalhes: Louis Le Vau abriu o pátio interno para criar o amplo cour d'honneur de entrada , mais tarde copiado para toda a Europa.

Nas décadas seguintes, essas ideias se perderam um pouco à medida que o mercado de arte aprendeu a vender DVDs de edição limitada de obras em vídeo, ^[108] convites para peças de performance artísticas exclusivas e os objetos que sobraram de peças conceituais. Muitas dessas performances criam obras que só são compreendidas pela elite que foi educada sobre o motivo pelo qual uma ideia ou vídeo ou pedaço de lixo aparente pode ser considerado arte. O marcador de status passa a ser a compreensão da obra em vez de necessariamente possuí-la, e a obra de arte continua sendo uma atividade da classe alta. "Com o uso generalizado da tecnologia de gravação de DVD no início dos anos 2000, os artistas e o sistema de galeria que obtém seus lucros com a venda de obras de arte, ganharam um meio importante de controlar a venda de obras de arte em vídeo e computador em edições limitadas para colecionadores." ^[109]

Théodore Géricault da balsa da Medusa , circa 1820

A arte sempre foi controversa, ou seja, detestada por alguns espectadores, por uma ampla variedade de razões, embora a maioria das controvérsias pré-modernas seja vagamente registrada ou completamente perdida para uma visão moderna. Iconoclastia é a destruição de arte que não é apreciada por uma variedade de razões, incluindo as religiosas. O aniconismo é uma aversão geral a todas as imagens figurativas, ou frequentemente apenas às religiosas, e tem sido um fio condutor em muitas religiões importantes. Foi um fator crucial na história da arte islâmica , onde as representações de Maomé permanecem especialmente controversas. Muita arte não foi apreciada simplesmente porque representava ou representava governantes, partidos ou outros grupos impopulares. As convenções artísticas costumam ser conservadoras e levadas muito a sério pelos críticos de arte , embora com freqüência muito menos por um público mais amplo. O conteúdo iconográfico da arte poderia causar polêmica, como aconteceu com as representações medievais do novo motivo do Desmaio da Virgem nas cenas da crucificação de Jesus . O Juízo Final de Michelangelo foi controverso por vários motivos, incluindo violações de decoro por meio da nudez e a pose de Cristo semelhante a Apolo . ^{[110] [111]}

O conteúdo de grande parte da arte formal ao longo da história foi ditado pelo patrono ou comissário, e não apenas pelo artista, mas com o advento do Romantismo e as mudanças econômicas na produção de arte, a visão do artista tornou-se o determinante usual do conteúdo de sua arte, aumentando a incidência de controvérsias, embora muitas vezes reduzindo seu significado. Fortes incentivos para a percepção da originalidade e publicidade também encorajaram os artistas a cortejar a controvérsia. A Jangada da Medusa de Théodore Géricault (c. 1820), foi em parte um comentário político sobre um acontecimento recente. Édouard Manet 's Le Déjeuner sur l'Herbe (1863), foi considerado escandaloso não por causa da mulher nua, mas porque ela está sentado ao lado de homens completamente vestidos com a roupa do tempo, ao invés de em vestes do mundo antigo. ^{[112] [113]} John Singer Sargent de Madame Pierre Gautreau (Madam X) (1884), causou uma controvérsia sobre a rosa avermelhado usado para colorir lóbulo da orelha da mulher, considerado muito sugestivo e supostamente arruinar a reputação do modelo da alta sociedade . ^{[114] [115]} O abandono gradual do naturalismo e da representação de representações realistas da aparência visual dos assuntos nos séculos 19 e 20 levou a uma controvérsia contínua que durou mais de um século.

Performance de Joseph Beuys , 1978: Todo mundo é um artista - A caminho da forma libertária do organismo social .

No século 20, Pablo Picasso 's Guernica (1937) usado prender cubistas técnicas e Stark óleos monocromáticas , para descrever as consequências angustiante de um atentado contemporânea de uma pequena cidade antiga, Basco. Leon Golub 's Interrogation III (1981), retrata uma mulher nua, detida encapuzada amarrada a uma cadeira, com as pernas abertas para revelar seus órgãos sexuais, rodeada por dois algozes vestidos com roupas do dia a dia. Andres Serrano 's Piss Christ (1989) é uma fotografia de um crucifixo, sagrado para a religião cristã e representando Cristo ' s sacrifício e sofrimento final, submersa em um copo de própria urina do artista. O alvoroço resultante levou a comentários no Senado dos Estados Unidos sobre o financiamento público das artes. ^{[116] [117]}

Antes do Modernismo, a estética na arte ocidental estava muito preocupada em alcançar o equilíbrio apropriado entre os diferentes aspectos do realismo ou da verdade em relação à natureza e ao ideal ; idéias sobre qual é o equilíbrio apropriado mudaram de um lado para outro ao longo dos séculos. Essa preocupação está amplamente ausente em outras tradições de arte. O teórico da estética John Ruskin , que defendeu o que viu como o naturalismo de J. M. W. Turner , viu o papel da arte como a comunicação por artifício de uma verdade essencial que só poderia ser encontrada na natureza. ^[118]

A definição e avaliação da arte tornaram-se especialmente problemáticas desde o século XX. Richard Wollheim distingue três abordagens para avaliar o valor estético da arte: a Realista , em que a qualidade estética é um valor absoluto independente de qualquer visão humana; o Objetivista , pelo qual também é um valor absoluto, mas é dependente da experiência humana geral; e a posição relativista , segundo a qual não é um valor absoluto, mas depende e varia com a experiência humana de diferentes humanos. ^[119]

Chegada do Modernismo

Composição com vermelho, azul e amarelo (1930) por Piet Mondrian (holandês, 1872–1944)

A chegada do modernismo no final do século 19 levou a uma ruptura radical na concepção da função da arte, ^[120] e novamente no final do século 20 com o advento do pós-modernismo . O artigo de Clement Greenberg de 1960 "Pintura Modernista" define arte moderna como "o uso de métodos característicos de uma disciplina para criticar a própria disciplina". ^[121] Greenberg originalmente aplicou essa ideia ao movimento expressionista abstrato e a usou como uma forma de compreender e justificar a pintura abstrata plana (não ilusionista):

A arte realista e naturalista dissimulou o meio, usando a arte para ocultar a arte; o modernismo usou a arte para chamar a atenção para a arte. As limitações que constituem o meio da pintura - a superfície plana, a forma do suporte, as propriedades do pigmento - foram tratadas pelos antigos mestres como fatores negativos que só poderiam ser reconhecidos implícita ou indiretamente. No modernismo, essas mesmas limitações passaram a ser consideradas fatores positivos e foram reconhecidas abertamente. ^[121]

Depois de Greenberg, vários teóricos importantes da arte surgiram, como Michael Fried , T. J. Clark , Rosalind Krauss , Linda Nochlin e Griselda Pollock, entre outros. Embora originalmente pretendido apenas como uma forma de compreender um conjunto específico de artistas, a definição de Greenberg de arte moderna é importante para muitas das ideias de arte nos vários movimentos artísticos do século XX e início do século XXI. ^{[122] [123]}

Artistas pop como Andy Warhol tornaram-se notáveis ​​e influentes por meio de seu trabalho, incluindo e possivelmente criticando a cultura popular , bem como o mundo da arte . Artistas das décadas de 1980, 1990 e 2000 expandiram essa técnica de autocrítica para além da arte erudita, para toda a criação de imagens culturais, incluindo imagens de moda, quadrinhos, outdoors e pornografia. ^{[124] [125]}

Duchamp uma vez propôs que a arte é qualquer atividade de qualquer tipo - tudo. No entanto, o modo como apenas algumas atividades são classificadas hoje como arte é uma construção social. ^[126] Há evidências de que pode haver um elemento de verdade nisso. Em A invenção da arte: uma história cultural , Larry Shiner examina a construção do sistema moderno das artes, ou seja, as belas-artes. Ele encontra evidências de que o antigo sistema de artes antes de nosso sistema moderno (belas-artes) considerava a arte qualquer atividade humana habilidosa; por exemplo, a sociedade da Grécia Antiga não possuía o termo arte, mas techne . A techne não pode ser entendida nem como arte nem como artesanato, pois as distinções entre arte e artesanato são produtos históricos que surgiram posteriormente na história da humanidade. Techne incluía pintura, escultura e música, mas também culinária, medicina, equitação , geometria , carpintaria, profecia e agricultura, etc. ^[127]

Nova crítica e a "falácia intencional"

Após Duchamp durante a primeira metade do século 20, ocorreu uma mudança significativa para a teoria estética geral, que tentou aplicar a teoria estética entre várias formas de arte, incluindo as artes literárias e as artes visuais, umas às outras. Isso resultou no surgimento da escola da Nova Crítica e no debate sobre a falácia intencional . Em questão estava a questão de saber se as intenções estéticas do artista na criação da obra de arte, qualquer que seja sua forma específica, deveriam ser associadas à crítica e avaliação do produto final da obra de arte, ou, se a obra de arte deve ser avaliado por seus próprios méritos, independentemente das intenções do artista. ^{[128] [129]}

Em 1946, William K. Wimsatt e Monroe Beardsley publicaram um ensaio clássico e controverso da Nova Crítica intitulado " A falácia intencional ", no qual argumentaram fortemente contra a relevância da intenção de um autor , ou "significado pretendido" na análise de uma obra literária . Para Wimsatt e Beardsley, as palavras na página eram tudo o que importava; a importação de significados de fora do texto foi considerada irrelevante e potencialmente perturbadora. ^{[130] [131]}

Em outro ensaio, " The Affective Fallacy ", que serviu como uma espécie de ensaio irmão de "The Intentional Fallacy", Wimsatt e Beardsley também descartaram a reação pessoal / emocional do leitor a uma obra literária como um meio válido de análise de um texto. Essa falácia seria mais tarde repudiada por teóricos da escola de teoria literária da resposta do leitor . Ironicamente, um dos principais teóricos desta escola, Stanley Fish , foi ele próprio treinado pela New Critics. Fish critica Wimsatt e Beardsley em seu ensaio de 1970 "Literatura no Leitor". ^{[132] [133]}

Conforme resumido por Gaut e Livingston em seu ensaio "The Creation of Art": "Teóricos e críticos estruturalistas e pós-estruturalistas foram agudamente críticos de muitos aspectos da Nova Crítica, começando com a ênfase na apreciação estética e na chamada autonomia da arte , mas reiteraram o ataque ao pressuposto da crítica biográfica de que as atividades e a experiência do artista eram um tópico crítico privilegiado. " ^[134] Esses autores afirmam que: "Os anti-intencionalistas, como os formalistas, sustentam que as intenções envolvidas na feitura da arte são irrelevantes ou periféricas para a interpretação correta da arte. Portanto, os detalhes do ato de criar uma obra, embora possivelmente de interesse em si mesmas, não têm relação com a interpretação correta da obra. " ^[135]

Gaut e Livingston definem os intencionalistas como distintos dos formalistas, afirmando que: "Os intencionalistas, ao contrário dos formalistas, sustentam que a referência às intenções é essencial para fixar a interpretação correta das obras." Eles citam Richard Wollheim afirmando que, "A tarefa da crítica é a reconstrução do processo criativo, onde o processo criativo deve, por sua vez, ser pensado como algo que não pára antes, mas termina na própria obra de arte." ^[135]

"Virada lingüística" e seu debate

O final do século 20 promoveu um amplo debate conhecido como a controvérsia da virada linguística , ou o "debate do olho inocente" na filosofia da arte. Este debate discutiu o encontro da obra de arte como sendo determinado pela medida relativa em que o encontro conceitual com a obra de arte domina sobre o encontro perceptivo com a obra de arte. ^[136]

Decisivo para o debate da virada linguística na história da arte e nas humanidades foram as obras de mais uma tradição, a saber, o estruturalismo de Ferdinand de Saussure e o movimento pós-estruturalismo que se seguiu . Em 1981, o artista Mark Tansey criou uma obra de arte intitulada "The Innocent Eye" como uma crítica ao clima de desacordo prevalente na filosofia da arte durante as últimas décadas do século XX. Teóricos influentes incluem Judith Butler , Luce Irigaray , Julia Kristeva , Michel Foucault e Jacques Derrida . O poder da linguagem, mais especificamente de certos tropos retóricos, na história da arte e no discurso histórico foi explorado por Hayden White . O fato de que a linguagem não é um meio transparente de pensamento foi enfatizado por uma forma muito diferente de filosofia da linguagem, que se originou nas obras de Johann Georg Hamann e Wilhelm von Humboldt . ^[137] Ernst Gombrich e Nelson Goodman em seu livro Languages ​​of Art : An Approach to a Theory of Symbols chegaram a afirmar que o encontro conceitual com a obra de arte predominou exclusivamente sobre o encontro perceptivo e visual com a obra de arte durante os anos 1960 e 1970. ^[138] Ele foi desafiado com base em pesquisas feitas pelo psicólogo Roger Sperry, ganhador do prêmio Nobel, que sustentava que o encontro visual humano não se limitava a conceitos representados apenas na linguagem (a virada linguística) e que outras formas de representações psicológicas do obras de arte eram igualmente defensáveis ​​e demonstráveis. A visão de Sperry acabou prevalecendo no final do século 20 com filósofos estéticos como Nick Zangwill defendendo fortemente um retorno ao formalismo estético moderado entre outras alternativas. ^[139]

A fonte original de Marcel Duchamp , 1917, fotografada por Alfred Stieglitz no 291 após a exposição da Sociedade de Artistas Independentes de 1917 . Stieglitz usou um cenário de The Warriors de Marsden Hartley para fotografar o mictório. A etiqueta de entrada da exposição pode ser vista claramente. ^[140]

As disputas sobre classificar ou não algo como uma obra de arte são chamadas de disputas classificatórias sobre arte. As disputas classificatórias no século 20 incluíram pinturas cubistas e impressionistas , a Fonte de Duchamp , os filmes, imitações superlativas de notas , arte conceitual e videogames . ^{[141] O} filósofo David Novitz argumentou que as discordâncias sobre a definição de arte raramente são o cerne do problema. Em vez disso, "as preocupações e interesses apaixonados que os humanos investem em sua vida social" são "uma parte importante de todas as disputas classificatórias sobre arte". ^[142] De acordo com Novitz, as disputas classificatórias são mais frequentemente disputas sobre valores sociais e para onde a sociedade está tentando chegar do que sobre a teoria propriamente dita. Por exemplo, quando o Daily Mail criticou o trabalho de Hirst e Emin , argumentando "Por 1.000 anos a arte tem sido uma de nossas grandes forças civilizadoras. Hoje, ovelhas em conserva e camas sujas ameaçam nos tornar bárbaros", eles não são avançar uma definição ou teoria sobre arte, mas questionar o valor do trabalho de Hirst e Emin. ^[143] Em 1998, Arthur Danto , sugeriu um experimento de pensamento mostrando que "o status de um artefato como obra de arte resulta das idéias que uma cultura aplica a ele, ao invés de suas qualidades físicas ou perceptíveis inerentes. Interpretação cultural (uma teoria da arte de algum tipo) é, portanto, constitutivo da arte de um objeto. " ^{[144] [145]}

A anti-arte é um rótulo para a arte que desafia intencionalmente os parâmetros e valores estabelecidos da arte; ^[146] é um termo associado ao dadaísmo e atribuído a Marcel Duchamp pouco antes da Primeira Guerra Mundial, ^[146] quando ele fazia arte a partir de objetos encontrados . ^[146] Um deles, Fountain (1917), um mictório comum, alcançou considerável proeminência e influência na arte. ^{[146] A} anti-arte é uma característica do trabalho da Situationist International , ^[147] do movimento de arte Lo-fi Mail e dos Young British Artists , ^[146] embora seja uma forma ainda rejeitada pelos Stuckists , ^[146] que se descrevem como anti-anti-arte . ^{[148] [149]}

A arquitetura é freqüentemente incluída como uma das artes visuais; entretanto, como as artes decorativas , ou a publicidade, envolve a criação de objetos onde as considerações práticas de uso são essenciais de uma forma que normalmente não são em uma pintura, por exemplo. ^[150]

Julgamento de valor

Tumbas aborígines de troncos ocos. Galeria Nacional, Canberra , Austrália.

De alguma forma em relação ao anterior, a palavra arte também é usada para aplicar julgamentos de valor, como em expressões como "aquela refeição foi uma obra de arte" (o cozinheiro é um artista), ^[151] ou "a arte de enganar "(o nível altamente alcançado de habilidade do enganador é elogiado). É esse uso da palavra como uma medida de alta qualidade e alto valor que dá ao termo seu sabor de subjetividade. Fazer julgamentos de valor requer uma base para críticas. No nível mais simples, uma forma de determinar se o impacto do objeto nos sentidos atende aos critérios para ser considerado arte é se ele é percebido como atraente ou repulsivo. Embora a percepção seja sempre colorida pela experiência e seja necessariamente subjetiva, é comumente entendido que o que não é de alguma forma esteticamente satisfatório não pode ser arte. No entanto, a "boa" arte nem sempre ou mesmo regularmente tem um apelo estético para a maioria dos espectadores. Em outras palavras, a principal motivação de um artista não precisa ser a busca pela estética. Além disso, a arte frequentemente retrata imagens terríveis feitas por motivos sociais, morais ou instigantes. Por exemplo, a pintura de Francisco Goya retratando os tiroteios espanhóis de 3 de maio de 1808 é uma representação gráfica de um pelotão de fuzilamento executando vários civis suplicantes. No entanto, ao mesmo tempo, as imagens horríveis demonstram a grande habilidade artística de Goya na composição e execução e produzem indignação social e política adequada. Assim, o debate continua sobre qual modo de satisfação estética, se houver, é necessário para definir "arte". ^{[152] [153]}

A assunção de novos valores ou a rebelião contra noções aceitas do que é esteticamente superior não precisam ocorrer simultaneamente com um abandono completo da busca do que é esteticamente atraente. Na verdade, o inverso costuma ser verdadeiro, que a revisão do que é popularmente concebido como esteticamente atraente permite um revigoramento da sensibilidade estética e uma nova apreciação dos padrões da própria arte. Inúmeras escolas propuseram seus próprios modos de definir qualidade, mas todas parecem concordar em pelo menos um ponto: uma vez que suas escolhas estéticas são aceitas, o valor da obra de arte é determinado por sua capacidade de transcender os limites do meio escolhido. para atingir algum acorde universal pela raridade da habilidade do artista ou em seu reflexo preciso no que é denominado o zeitgeist . Freqüentemente, a arte tem como objetivo apelar e se conectar com a emoção humana. Pode despertar sentimentos estéticos ou morais e pode ser entendida como uma forma de comunicar esses sentimentos. Os artistas expressam algo para que seu público seja despertado até certo ponto, mas eles não precisam fazer isso conscientemente. A arte pode ser considerada uma exploração da condição humana ; isto é, o que é ser humano. ^[154] Por extensão, foi argumentado por Emily L. Spratt que o desenvolvimento da inteligência artificial, especialmente no que diz respeito aos seus usos com imagens, requer uma reavaliação da teoria estética na história da arte hoje e uma reconsideração dos limites da criatividade humana. ^{[155] [156]}

Uma questão legal essencial são falsificações de arte , plágio , réplicas e obras fortemente baseadas em outras obras de arte.

O comércio de obras de arte ou a exportação de um país podem estar sujeitos a regulamentações legais. Internacionalmente, também há grandes esforços para proteger as obras de arte criadas. A ONU , a UNESCO e a Blue Shield International tentam garantir uma proteção eficaz em nível nacional e intervir diretamente em caso de conflitos armados ou desastres. Isso pode afetar particularmente museus, arquivos, coleções de arte e locais de escavação. Isso também deve garantir a base econômica de um país, especialmente porque as obras de arte costumam ser de importância turística. O presidente fundador da Blue Shield International, Karl von Habsburg , explicou uma conexão adicional entre a destruição de bens culturais e a causa da fuga durante uma missão no Líbano em abril de 2019: “Os bens culturais fazem parte da identidade das pessoas que vivem um certo lugar. Se você destruir sua cultura, você também destruirá sua identidade. Muitas pessoas são desenraizadas, muitas vezes não têm mais perspectivas e, como resultado, fogem de sua terra natal ”. ^{[157] [158] [159] [160] [161] [162]}

• Oscar Wilde, Intentions , 1891
• Stephen Davies, Definições de Arte , 1991
• Nina Felshin, ed. Mas isso é arte? , 1995
• Catherine de Zegher (ed.). Dentro do Visível . MIT Press, 1996
• Evelyn Hatcher, ed. Arte como Cultura: Uma Introdução à Antropologia da Arte , 1999
• Noel Carroll, Teorias da Arte Hoje , 2000
• John Whitehead. Grasping for the Wind , 2001
• Michael Ann Holly e Keith Moxey (eds.) História da Arte Estética Estudos Visuais . New Haven: Yale University Press, 2002. ISBN  0300097891
• Shiner, Larry. A invenção da arte: uma história cultural . Chicago: University of Chicago Press, 2003. ISBN  978-0-226-75342-3
• Arthur Danto , O Abuso da Beleza: Estética e o Conceito de Arte. 2003
• Dana Arnold e Margaret Iverson, eds. Arte e pensamento . Londres: Blackwell, 2003. ISBN  0631227156
• Jean Robertson e Craig McDaniel, Temas de Arte Contemporânea, Arte Visual após 1980 , 2005

• Antony Briant e Griselda Pollock , eds. Digital e outras virtualidades: renegociando a imagem . Londres e NY: IBTauris, 2010. ISBN  978-1441676313
• Augros, Robert M., Stanciu, George N. The New Story of Science: mind and the universe , Lake Bluff, Ill .: Regnery Gateway, 1984. ISBN  0-89526-833-7 (este livro contém material significativo sobre arte e ciência)
• Benedetto Croce . Estética como Ciência da Expressão e Lingüística Geral , 2002
• Botar, Oliver AI Technical Detours: The Early Moholy-Nagy Reconsidered . Galeria de arte do The Graduate Center, The City University of New York e The Salgo Trust for Education, 2006. ISBN  978-1599713571
• Burguete, Maria e Lam, Lui, eds. (2011). Arts: A Science Matter . World Scientific: Cingapura. ISBN  978-981-4324-93-9
• Carol Armstrong e Catherine de Zegher , eds. Mulheres Artistas no Milênio . Massachusetts: October Books / The MIT Press, 2006. ISBN  026201226X
• Carl Jung , Man and His Symbols . Londres: Pan Books, 1978. ISBN  0330253212
• EH Gombrich , A História da Arte . Londres: Phaidon Press, 1995. ISBN  978-0714832470
• Florian Dombois, Ute Meta Bauer , Claudia Mareis e Michael Schwab, eds. Birdhouse intelectual. Prática Artística como Pesquisa . Londres: Koening Books, 2012. ISBN  978-3863351182
• Katharine Everett Gilbert e Helmut Kuhn, A History of Esthetics . Edição 2, revisada. Indiana: Indiana University Press, 1953.
• Kristine Stiles e Peter Selz , eds. Teorias e Documentos da Arte Contemporânea . Berkeley: University of California Press, 1986
• Kleiner, Gardner, Mamiya e Tansey. Art Through the Ages, décima segunda edição (2 volumes) Wadsworth, 2004. ISBN  0-534-64095-8 (vol 1) e ISBN  0-534-64091-5 (vol 2)
• Richard Wollheim , Art and its Objects: Uma introdução à estética . Nova York: Harper & Row, 1968. OCLC  1077405
• Will Gompertz . O que você está olhando ?: 150 anos de arte moderna em um piscar de olhos . Nova York: Viking, 2012. ISBN  978-0670920495
• Władysław Tatarkiewicz , A History of Six Ideas: an Essay in Aesthetics , traduzido do polonês por Christopher Kasparek , Haia, Martinus Nijhoff, 1980

• Arte e Brincadeira do Dicionário da História das Idéias
• Diretório detalhado de arte
• Arquivos de arte e artistas na coleção de bibliotecas Smithsonian (2005) Bibliotecas digitais Smithsonian
• Visual Arts Data Service (VADS) - coleções online de museus, galerias e universidades do Reino Unido
• RevolutionArt - Revistas de arte com exposições, convocatórias e competições em todo o mundo
• Adajian, Thomas. “A definição da arte” . Em Zalta, Edward N. (ed.). Stanford Encyclopedia of Philosophy .
• Arte na Curlie